Последние новости

«Ханох Левин – опера» возвращается!
2024-05-26 18:02 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Фото - Йосси Цвекер

По просьбам зрителей, после восторженных отзывов и откликов, ближайшим летом Израильская Опера повторяет одну из самых удачных, заметных и ярких постановок сезона «Ханох Левин – опера». Опера оригинальная, удивительная и ни на что не похожая, премьера которой успешно прошла в конце января этого года, вновь будет показана на сцене Оперного театра Тель-Авива: 14, 15 и 16 июня, 31 июля и 1 и 2 августа 2024 года.

Ханох Левин - гений на все времена, и неудивительно, что на его тексты написана потрясающая музыка и поставлен спектакль (режиссер - Ширит Ли Вайс), в котором не различить, где смех сквозь слезы и слезы сквозь смех, горечь и улыбки, радость и рыдания, мгновенное узнавание героев и себя в них. Это не лесть и не пародия, и даже не кривое зеркало и вообще не зеркало - это просто мы сами.
Пьесы Левина – вне времени, ведь парадоксы существования не меняются. И старые армейские песни или вечный припев «Лондон меня не ждет» становятся такими сегодняшними…
Это собрание песен, образов, скетчей, героев, эскизов отрывков из пьес, из просмотренных спектаклей. Это безусловная ирония и безусловная любовь. Это молодые певцы и музыканты, для которых тексты Ханоха - уже история, но история , как известно, повторяется.

Сочетание «Ханох Левин и опера» не новое. Одноактная опера по пьесе «Шиц» Ханоха Левина с музыкой Йони Рехтера в постановке Идо Риклина была представлена в июле 2015 года в Тель-Авиве к 30-летию Израильской Оперы. До этого произведение Ханоха Левина в оперном варианте ставилось в январе 2010 года – «Мальчик спит» с музыкой Гиля Шохата. Идо Риклин, ставший драматургом Израильской Оперы, в прошлом сезоне поставил «Теодора». А затем Идо Риклин и Ширит Ли Вайс (та самая, что придумала под занавес прошлого сезона чудесный сценический вариант «Реквиема» Моцарта) подобрали и скомпилировали отрывки из произведений Ханоха Левина в новой оперной постановке, которая так и называется «Ханох Левин – опера».
Музыку для «Ханох Левин – опера» написали 5 израильских композиторов. Каждый дал свою трактовку воплощенным на оперной сцене печальным и забавным, нелепым и столь узнаваемым, отталкивающим и человечным персонажам великого израильского драматурга.

Итак, 11 частей, 5 композиторов, 10 солистов и один-единственный неповторимый в израильской драматургии последних поколений Ханох Левин.
Эта оперная постановка непохожа на всё, что мы видели раньше, несмотря на расцвет израильской оперы в последние годы. Смех и слезы, разочарование и надежда, глубины нежных душ и грубая телесная оболочка – таковы первые ассоциации, когда речь заходит о драматургии Ханоха Левина и о новой оригинальной израильской оперной постановке со столь неоднозначными персонажами.

Пять композиторов, написавших музыку к этой постановке на различные прозаические и поэтические тексты, а также отрывки из пьес Ханоха Левина, создали не просто оперу, а музыкально-театральное действо. Участники этой пятерки представляют разные поколения: Йоси Бен-Нун Давид Зеба, Йонатан Кнаан, Йонатан Керет и Рони Решеф. Вместе они создали музыкальный мир, полный юмора, боли и эмоций. Каждый композитор привнес свой неповторимый музыкальный язык, а Идо Риклин и Ширит Ли Вайс составили из текстов и музыки эффектную сценическую мозаику.

Photo by © Yossi Zwecker

Идо Риклин использовал тексты из произведений, написанных в разные периоды творчества Левина: «Торговцы резиной», «Яакоби и Лайденталь», «Холостяки и холостячки», «Убийство», «Шиц», «Жиголо из Конго» и др. Он также использовал известные поэмы Левина: «Лондон», «Я живу изо дня в день», «Ты, я и следующая война», различные скетчи и несколько «детских песенок», написанных Йоси Бен-Нуном – единственным композитором из «пятерки», который имел честь работать с самим Ханохом Левиным и сочинил музыку к некоторым пьесам, им поставленным.

Над сценографией этой постановки работали талантливейшие израильские мастера: художник-постановщик Адам Келлер, художник по костюмам Уля Шевцова и художник по свету Надав Барнеа. Вместе с режиссёром Ширит Ли Вайс они превратили каждый скетч, каждый отрывок текста в отдельный, крошечный и в то же время необъятный мир с неповторимым колоритом, стилем и приметами эпохи. Герои Ханоха Левина появляются и проявляют свои характеры в переломные моменты истории личной и общей, а знакомые всем образы добавляют в постановку целые театральные пласты, наделяя ситуации дополнительным смыслом.

Ханох Левин упивался горечью жизни и ее сладостью; он знал, что такое смерть и не боялся ее. Часто героев Левина сравнивают с чеховскими. Чеховские персонажи появляются в его знаменитом «Реквиеме». Герои Левина бедные, голодные, страдающие, пережившие в жизни массу унижений, растоптанные и растерянные, живущие тяжко, муторно. Все они в конце концов счастливы, разглядев в самой беспросветной серости существования его смысл.

Всего Ханох Левин создал 56 пьес, а также множество сатирических и театральных скетчей и прозу. При жизни драматурга на израильских сценах были показаны 33 его пьесы, 22 он поставил сам. Невозможно сказать, какая его пьеса наиболее известна в Израиле, где театралы знают названия всех его работ. Но за границей, пожалуй, более всего популярен «Реквием» («Ашкава»), ставившийся в десятках странах. При упоминании имени Ханоха Левина тут же вспоминаются такие спектакли, как «Торговцы резиной», «Убийство», «Хефец», «Крум», «Плаксы», «Болтовня» (спектакль, поставленный в 1995 году в «Камерном» Робертом Стуруа), «Романтики», «Королева ванной», «Яакоби и Лайденталь», «Прекрасная женщина внутри каждого из нас», «Якиш и Пупче».

На спектакли по пьесам Левина ходят все: снобы и работяги, студенты и пенсионеры, репатрианты и старожилы. На его спектаклях плачут и смеются, а в диалогах и монологах его героев важно каждое слово, их простые печальные фразы запоминаются сразу. После окончания его спектаклей всегда раздается шквал аплодисментов – признание АВТОРУ, знавшему человеческую натуру так, как мы сами себя не знаем.
Когда Левина в единственном сохранившемся интервью спросили, почему он выбрал именно театр, он сказал, что, когда видишь нечто разыгранным на сцене, это действует гораздо сильнее. А еще потому, что, когда пишешь для театра, ты не называешься писателем, и то, что ты пишешь, – это не литература и даже не совсем «культура».
Пьесы Левина – вне времени, ведь парадоксы существования не меняются. Культовый писатель, провокационный драматург и режиссер, нарушитель общественного спокойствия, он был признан классиком еще при жизни, пройдя путь от неприятия до всенародной любви.

Photo by © Yossi Zwecker

---

«Ханох Левин – опера»
Дирижер – Давид Зеба
Режиссер – Ширит Ли Вайс
Музыкальный руководитель Оперы – Дан Эттингер
Художник-постановщик – Адам Келлер
Художник по костюмам – Уля Шевцова
Художник по свету - Надав Барнеа
Либретто – Идо Риклин

Участники постановки:
баритон Одед Райх,
сопрано Яэль Левита,
меццо-сопрано Анат Чарны,
сопрано Даниэла Скорка,
баритон Яир Полищук,
сопрано Том Коэн и Сиван Керен,
меццо-сопрано Тамара Навот,
тенор Ади Эзра и бас Йоав Аялон.17 музыкантов Симфонического оркестра Ришон ле-Циона и Израильской Оперы располагаются на сцене и становятся полноценными участниками драматической и постановочной ткани спектакля.

Даты представлений
Пятница | 14.6.2024 | 13:00
Суббота | 15.6.2024 | 21:00
Воскресенье | 16.6.2024 |20:00
Среда | 31.7.2024 | 20:00
Четверг | 1.8.2024 | 20:00
Пятница | 2.8.2024 | 13:00

Оперный театр Тель-Авива им. Шломо Лахата (бульвар Шауль а-Мелех 19, Тель-Авив).

Билеты в кассе Оперного Театра по телефону 03-6927777 или в «Браво»: https://bit.ly/41OvHAZ

Текст – © Маша Хинич. Photos by © Yossi Zwecker

Пиар - агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting

Израильский Вокальный Ансамбль: Реквием Дюрефле и Месса Пуленка
2024-05-12 15:14 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото – слева – направо: бас Алексей Канунников , сопрано Том Бен-Ишай (© Ури Элькаям), органист Борис Зобин (© Борис Бриль ), дирижер Юваль Бен-Озер (© Дорон Овед )

В конце мая – начале июня Израильский Вокальный Ансамбль под руководством своего художественного руководителя дирижера Юваля Бен-Озера даст в Хайфе, Иерусалиме, Раанане и Тель-Авиве концерты, посвященные французской вокальной музыке. Прозвучат две жемчужины хорового репертуара, не часто исполняемые в Израиле – Реквием Мориса Дюрефле и Месса соль-мажор Франсиса Пуленка.
Солисты – органист Борис Зобин, сопрано Том Бен-Ишай и бас Алексей Канунников.

Третья программа из серии «Вокальное переживание» Израильского Вокального Ансамбля представляет слушателям два прекрасных произведения из центрального репертуара французской вокальной музыки – Мессу соль-мажор Франсиса Пуленка и Реквием Мориса Дюрефле – шедевр французской органной музыки и хоровой музыки XX века, принесший французскому композитору, органисту-виртуозу и педагогу мировую известность. Эти два замечательных произведения французского хорового не часто исполняются в Израиле. Между тем, эти сочинения не только принесли своим создателям мировую славу, но и являются одними из самых исполняемых произведений в мировом хоровом репертуаре. Интересно, что оба этих произведений посвящены отцам композиторов.

Морис Дюрюфле (1902-1986) прославился в качестве блестящего органиста, но он был и выдающимся композитором духовной вокальной и органной музыки. Реквием для солистов, хора и оркестра, написанный композитором в память об отце, занимает в списке его произведений особое место. Это лирико-философское сочинение, главной идеей которого стала трагедия Второй мировой войны. Музыка Дюрюфле, наполненная прозрачными тонами и романтической гармонией, отличается полифонической чуткостью. Реквием этого композитора редко исполняется в Израиле, поэтому возможность услышать его – истинная удача для ценителей духовной музыки. Дюрефле написал около сотни произведений – для оркестра, органа, фортепиано, хора и завоевал множество премий, но его слава за пределами Парижа пришла к нему, главным образом, благодаря его Реквиему, над которым он работал шесть лет.
«Мой Реквием, – писал о своем произведении Морис Дюрефле, – был целиком основан на старинном пении Римско-католической церкви – культуре григорианского хорала, которой минула уже более тысячи лет, на культуре григорианских песнопений в память об умерших. Они меня вдохновили. Слушатели только сегодня открывают для себя первоначальную красоту григорианского канона, представляющего собой мир, веру и надежду».

Морис Дюрефле начал петь в хоре Руанского собора, когда ему исполнилось 10 лет. Там же, в школе при соборе, он начал учиться игре на фортепиано и органе.
Позже учился в Парижской консерватории. С 1930 года Дюрюфле – органист парижской церкви Сент-Этьен-дю-Мон, кроме того, он играл в соборе Нотр-Дам. Главным источником вдохновения для себя он считал для себя григорианские хоралы, которые попытался возродить в середине 20-го века. Дюрюфле был продолжателем традиций национальной романтической школы. Его наставниками были ученики «духовного отца органистов Франции» Сезара Франка – Шарль Турнемир и Луи Вьерн, у которых в Парижской консерватории он обучался искусству игры на органе, и Поль Дюка, руководивший изучением композиции. С 1942 года Дюрефле стал преемником Дюпре в классе органа Парижской консерватории, а через год – профессором гармонии. На концертах Морис Дюрюфле выступал также со своей женой – органисткой Мари-Мадлен Шевалье.

Главным его произведением остается именно «Григорианский» реквием, завершенный в 1947 году.Впервые Реквием транслировался по радио 2 ноября 1947 года, в День поминовения всех усопших. Произведение прозвучало в Париже, в Зале Гаво, в исполнении Большого государственного оркестра и Хора радио. Газета Le Figaro писала: «Из-за того, что он органист, мы мало знаем о том, какой он замечательно одаренный композитор! Он пишет мало, но ставит свою подпись только под первоклассными произведениями, демонстрирующими исключительное мастерство и изысканную чувствительность… Реквием Дюрюфле для современной французской музыки – роза, неожиданно расцветшая на голой ветке».
Первое же исполнение Реквиема в концерте состоялось во дворце Шайо 28 декабря 1947 года. А последнее исполнение Реквиема в присутствие композитора прошло в 1980 году в Сен-Этьен-дю-Мон – в «его» церкви, в которой Дюрюфле долгие годы служил органистом в Латинском квартале. За 5 лет до этого Дюрюфле попал в автокатастрофу, в которой сломал обе ноги и почти не покидал своей квартиры. Реквием звучал и на похоронах 84-летнего композитора.

Месса соль-мажор Франсиса Пуленка (1899–1963), написанная в 1937-м году, считается одним из самых красивых его хоровых произведений.
Написание мессы в 1937 году ознаменовало начало периода религиозной музыки для Пуленка, который обратился к религии после смерти близкого друга и посещения статуи Черной Мадонны в Рокамадуре. Но, несмотря на религиозный латинский текст, его музыкальный стиль по-прежнему оптимистичен и полон жизни. Созданная через год после первого произведения Пуленка на молитвенный текст «Литаний Черной Богоматери» (1936), Месса G-dur для смешанного хора a’cappella стала этапным сочинением, определившим стиль духовных хоров Пуленка. Посвященная памяти отца композитора, Месса была написана в течение лета 1937 года. Работая в новом для себя жанре, Пуленк обратился к изучению партитур старых мастеров. Опираясь на признанные образцы жанра, Пуленк создает свой вариант ординария мессы, в котором отсутствует Credo. Композитор не комментировал причины, по которым в Мессу не была включена одна из важнейших частей богослужения, Месса была создана в рекордно короткие сроки, что сам Пуленк не преминул с удивлением отметить*: «Я пребываю в отличном настроении и чувствую себя в хорошей форме. Недавно, за 3 недели (что для меня очень быстро) я написал Kyrie, Sanctus, Benedictus и Agnus Dei Мессы a’cappella… я не понимаю, почему эта форма сочинения, которая действительно трудна, не доставляет мне никакого неудобства».*

Сопрано Том Бен-Ишай. Фото – © Ури Элькаям

Сопрано Том Бен-Ишай – солистка Израильской Оперы, участвовавшая во многих постановках, выпускница оперной студии «Мейтар», программы подготовки молодых оперных певцов Израильской оперы в Тель-Авиве, а также выпускница Академии музыки и танца имени Рубин в Иерусалиме.
Она начала свое музыкальное обучение как пианистка и продолжила обучение в классе развития голоса в консерватории в Хайфе.
Том – стипендиатка Американо-израильского культурного фонда, Фонда Рабиновича, Фонда Эли Леона и Культурного фонда Хайфы. Она выступала, как солистка с Израильским филармоническим оркестром на концерте открытия 76-го сезона под управлением Лахава Шани, с Израильской Камератой, Оркестром Барокада, Иерусалимским оркестром барокко, Хайфским симфоническим оркестром и другими. Том Бен-Ишай регулярно дает сольные концерты в Израиле и в других странах.
В настоящее время Том Бен-Ишай поет в Израильском Вокальном Ансамбле под управлением Юваля Бен-Озера и в ансамбле «Сесилия», который фокусируется на исполнении современных произведениях а’капелла без дирижирования.

Алексей Канунников, бас-баритон – солист Израильской Оперы. Родился в России. С 1992 года живет в Израиле. Обучался вокалу в Иерусалимской академии музыки и танца. В репертуаре артиста: главные партии в операх «Риголетто» Верди и «Алеко» Рахманинова, Дон Жуан и Лепорелло («Дон Жуан» Моцарта), Эскамильо («Кармен» Бизе), Дон Маньифико («Золушка» Россини), Бонза («Мадам Баттерфлай») и Тюремщик («Тоска») – Пуччини; Король Филипп («Дон Карлос» Верди), Сальери («Моцарт и Сальери» Римского-Корсакова), Томский («Пиковая дама» П. Чайковского), Микитич («Борис Годунов» Мусоргского), Священник («И крыса смеялась» Эллы Мильх-Шериф).
Выступал совместно с оркестрами Израильской филармонии, Румынской национальной оперы и с Хайфским симфоническим оркестром. Сотрудничал с такими дирижерами, как Владимир Юровский, Зубин Мета, Ашер Фиш, Даниэль Инбаль, Массимилиано Стефанелли.
Алексей Канунников – лауреат стипендии Американо-израильского культурного фонда.

Органист Борис Зобин. Фото © Борис Бриль

Борис Зобин, органист
Борис Зобин родился в 1976 году в Санкт-Петербурге, Россия. Первые уроки игры на фортепиано он получил от матери и продолжал заниматься с ней, пока не окончил городскую музыкальную школу в городе Сумы на Украине. Примерно в это же время датируются его первые сольные выступления.
В 1991 году поступил в Музыкальное училище имени Бортнянского в городе Сумы на Украине. Также начал брать уроки игры на органе. Работа ассистентом органиста в Сумской филармонии в 1990-1997 годах принесла ему знакомство с широким репертуаром органной музыки, что оказало значительное и продолжительное влияние на его творческое и профессиональное развитие.
В 1995 году, окончив училище имени Бортнянского, продолжил профессиональное обучение в Национальной музыкальной академии в Киеве. Это были годы интенсивной концертной деятельности. Борис давал сольные концерты, участвовал в международных музыкальных фестивалях.
В 1997 году Борис репатриировался в Израиль. Его приняли в Академию музыки и танца в Иерусалиме, в класс профессора Ицхака Каца, выдающегося музыканта, утонченного и блестящего пианиста, обширного учёного, самого ученика известного пианиста и русского педагога Александра Гольденбейзера.
В 2002 году Борис завершил обучение в Академии в магистратуре. В период с 1999 по 2004 год участвовал в различных конкурсах пианистов, выиграл первые премии на конкурсе Академии по игре с оркестром и на конкурсе Магды Майерс в Негеве, занял третье место на международном конкурсе пианистов в Париже. Борис также завоевал много других наград в Израиле и за рубежом.
Борис много выступает с сольными концертами в качестве пианиста, органиста и клавесиниста в разных уголках страны и за рубежом, играет в камерных ансамблях и работает с хорами. Борис Зобин участвовал в международном фестивале камерной музыки в Киеве и фестивале «Бах-Фест 2008» в Сумах.
В 2004-2015 годах Борис работал преподавателем и концертмейстером в Муниципальной консерватории в Реховоте, с 2015 года по сегодняшний день он работает на тех же должностях в Музыкальном центре Цур Хадасса.

---

Израильский Вокальный Ансамбль.
«Реквием Дюрефле и Месса Пуленка» – третий концерт сезона в серии «Музыкальные переживания»

В программе:
Морис Дюрефле. Реквием
Франсис Пуленк. Месса соль-мажор
Дирижер: Юваль Бен-Озер
Орган: Борис Зобин
Том Бен-Ишай – сопрано
Алексей Канунников – бас

Даты:
Иерусалим, 31 мая 2024 года | пятница | Церковь св. Андрея (Шотландская церковь), 11:00
Хайфа, церковь Святого Иоанна – 1 июня | Суббота | 12:00
Раанана, Городской центр музыки и искусства – 3 июня | Понедельник | 20:30
Тель-Авивский музей искусств, зал «Реканати» – 4 июня | Вторник | 20:30
Онлайн-зал, прямой эфир – 4 июня | вторник | 20:30

Заказ билетов: на сайте Израильского Вокального Ансамбля ivocal.co.il или по телефону 074-7012112.

https://ivocal.co.il
Канал Израильского Вокального Ансамбля в youtube – https://www.youtube.com/user/TheNIVE1

Все фотографии (© Ури Элькаям, © Боаз Бриль, © Цур Коцер, © Дорон Овед) предоставлены пресс-службой Израильского Вокального Ансамбля

«Саломея» Максима Диденко на Jaffa Fest
2024-05-10 01:19 @taniatom Tania Tomer

На сцене театра Гешер сыграют «Саломею» Оскара Уайльда в постановке Максима Диденко, в прошлом российского, сегодня европейского режиссера, работающего в Берлине и Лондоне

Это первая совместная постановка театра Гешер с британским театром Royal Haymarket Theatre. После премьерных показов в Израиле, которые состоятся 20, 21, 22, 23 июня, «Саломея» отправится в Лондон. В этом израильско-английском проекте заняты ведущие актеры театра Гешер.

«Саломея» – станет дебютом Диденко и его блистательной команды в Израиле. Сценограф Галя Солодовникова, сотрудничавшая с Кириллом Серебренниковым, Тимофеем Кулябиным, Себастьяном Уэлкером, и не менее известные в театральном мире композитор Луи Лебе и художник по свету Глеб Фильштинским – на сцене театра Гешер

Движение, специфическое сценическое существование, пластика героев и образов – точка опоры режиссера и хореографа Полины Дрейден.

По словам Полины Дрейден, выпускницы швейцарской балетной школы Мориса Бежара: «“Саломея” – это музыкальная партитура, рожденная в гармонии тела, эмоции и звука».

Время: первый век нашей эры. Место: здесь.

Царь Ирод Антипа женится на жене своего брата Иродиаде. Это недопустимо в иудаизме и вызывает гнев Иоанна Крестителя. Чтобы заставить Иоанна замолчать, Ирод бросает его в темницу. Его жена этим недовольна и просит убить Иоанна. Она посылает свою дочь Саломею (Шломит) соблазнить Ирода, станцевав ему «Танец семи покрывал». Страстный Ирод готов выполнить любую просьбу своей падчерицы и племянницы. Саломея просит голову Иоанна Крестителя на серебряном блюде.

Пьеса Оскара Уайльда, вызвавшая скандал в XIX веке, стала классикой мировой культуры. Именно эта библейская история в интерпретации Уайльда, в свою очередь, породила множество произведений, самым значительным из которых остаётся одноименная опера Рихарда Штрауса. Оперу и по сей день интерпретируют выдающиеся режиссеры, на основе «Саломеи» снимают фильмы, ставят балеты.

Режиссер-постановщик считает: «то, что мы делаем эту пьесу на английском языке, на Святой земле – это ново, важно, в духе Оскара Уайльда В пьесе про евреев, написанной ирландцем по-французски, играют израильтяне по-английски – это безусловно колоссальный импульс классическому тексту. Ждем на премьере. И всем мирного неба над головой».

Спектакль будет идти на английском языке с титрами на русском и иврите.

В ролях: Ирод – Дорон Тавори, Иродиада – Лена Фрайфельд, Саломея – Нета Рот, Иоканаан – Шир Саяг и другие.

Спектакль доступен в рамках абонемента.

Заказ билетов: Саломея

Эта круглая-круглая штука… «Солнечная история» театра DAVAI 4 мая в Хайфе и 25 мая в Тель-Авиве
2024-04-24 16:23 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото – © Дор Кедми

«Солнечная история» театра Davai – комедия без слов для всех возрастов, клоунский спектакль для детей и их родителей .
Два друга-клоуна уронили солнце в море. Чтобы не замерзнуть, они снаряжают корабль и отправляются на поиски солнца .
Спектакль был представлен уже более 100 раз в Израиле, Германии, Украин е Азербайджане, Англии и Турции .
Авторы и исполнители: Ф едя Макаров и Лёша Гавриэлов.
Продолжительность – 50 минут. Рекомендуется для детей старше 3 лет.

Фото: © Бени Гамзо

Клоунский театр – относительно новый жанр в Израиле.
Вот некоторые из его особенностей:
Выразительное движение. Поскольку актеры не используют речь, то выразить себя и передать суть спектакля, они могут только посредством движения.
Визуальная красота: клоунский театр во многом связан с миром фантазии, поэтому базируется на ярких визуальных образах.
Юмор: персонажи клоунского театра – забавные, невинные и человечные. Им легко сопереживать и с ними легко вместе смеяться.
И, наконец, сама история! В спектаклях клоунского театра сюжетная линия выстроена таким образом, что позволяет зрителям смеяться, волноваться и впечатляться!
И как не впечатляться, когда…
Помните? Помните из «Чуковского», из «Краденого солнца»?
Солнце по небу гуляло
И за тучу забежало.
Глянул заинька в окно,
Стало заиньке темно.
А сороки-
Белобоки
Поскакали по полям,
Закричали журавлям:
«Горе! Горе! Крокодил
Солнце в небе проглотил!»

Фото: © Даниэла Меламед

В веселом клоунском театре DAVAI, в детском музыкальном спектакле без слов «Солнечная история» все вовсе не так: в «Солнечной истории» солнце в море нечаянно роняют два друга-клоуна. И, чтобы не замерзнуть, снаряжают корабль и отправляются на поиски «этой круглой штуки». Они с трудом овладевают премудростями мореплавания: оказывается, весла созданы для того, чтобы ими грести, а чтобы сдвинуться с места, надо грести в одном направлении… Но друзья оказываются в открытом океане, и их корабль несётся на всех парусах навстречу приключениям.
Закончатся эти приключения, от которых зависит будущее всего мира, эта череда неожиданных событий, самым лучшим образом – ведь солнце снова в небе и это видно всем. А как именно Федя Макаров и Леша Гавриэлов – два клоуна – вернут солнце в небо можно будет увидеть 4 мая в Хайфе и 25 мая в Тель-Авиве и побывать клоунами вместе с ними.

В этом спектакле Федя Макаров и Леша Гавриэлов погружают детей в волшебный мир – поэтически-смешной и трогательный, в мир движения, иллюзии, воображения, пластики и эмоций. В мир неуклюжий и грациозный, карикатурный и геройский – клоуны спасают целый мир! Это интересно и весело – и детям, и взрослым. И это сценическое произведение высокого уровня – недаром «Солнечную историю», спектакль без слов, рассказанный языком движения, уже не раз показывали и в других странах.
Клоуны умеют многое, чего не умеют другие люди, умеют видеть смешное в грустном и необычное в привычном. Они снова и снова открывают мир и показывают его нам таким, каким мы его забываем видеть. «Ирония и смех – это спасение от депрессии, – говорит Федя Макаров. – Ведь нельзя же все время серьёзно размышлять над жизненными проблемами. Чем больше человек может иронизировать, видеть вещи, которые его смешат и веселят, тем легче идёт жизнь. А если это чувство лёгкости можно передать другим – совсем становится весело. Власть слова преувеличена. Слова можно неверно понять, они ограничены, нуждаются в объяснении и переводе. Язык клоунады более честный и более универсальный. Одним движением бровей можно показать разочарование, обиду, боль, радость. Я, как клоун, передаю умение смеяться. Все для меня – игра, и я пытаюсь сделать ее смешной. Это основная идея нашей клоунады, так что просто приглашаю всех поиграть».

---

Театр DAVAI – клоунская театральная труппа, созданная в 2015-м году тремя независимыми артистами: Федором Макаровым, Лешой Гавриэловым и Виталием Азариным, когда ее участники, каждый из которых был уже хорошо известен в области клоунады, решили создать комический театр, построенный на пластике движений, цирковом искусстве, клоунаде, кино, музыке и философии. Группа уже представляла свои работы на десятках международных театральных фестивалей, а в 2018 году за шоу UNDER CONSTRUCTION получила премию «Золотой ежик». «Мы верим в визуальный театр, который достаточно прост, чтобы охватить огромную аудиторию и достаточно хитрый, чтобы прикоснуться к экспертам. В наших шоу мы используем клоунов, музыку и цирк, чтобы рассказывать истории и приносить радость театра для публики» – говорят участники театр DAVAI.
Театр DAVAI создал дом для клоунов Тель-Авиве – дом на улице Францойз, 12 – BEIT DAVAI – где преподается и изучается клоунада, устраиваются представления и семинары для детей и взрослых, для студентов и профессионалов, дом, который стал ДОМОМ для клоунов.

---

«Солнечная история». Музыкальный спектакль без слов в жанре эксцентрической клоунады. Клоунский спектакль для детей от 3-х лет и их родителей. Авторы и исполнители – Федя Макаров и Лёша Гавриэлов.
Федя Макаров – актер «Снежного Шоу» Славы Полунина. Лёша Гавриэлов – член ассоциации «Dream Doctors», больничный клоун.

Хайфа, зал «Раппопорт», 4 мая 2024 года, суббота, 11:00
Страница мероприятия – הדבר העגול הזה @ בחיפה
Заказ билетов: כרטיסים — הדבר העגול הזה. חיפה, 04.05.2024 בחירת הכיסאות במפת האולם

Тель-Авив, Тель-Авивский музей искусств, 25 мая 2024 года, суббота, в 11:00
Страница мероприятия – הדבר העגול הזה @ במוזיאון תל אביב (הטבת דיגיתל)
Заказ билетов: https://www.goshow.co.il/show/15082/42015
Видео: https://www.youtube.com/watch?v=SE7l5gE5XP0
Страница в фейсбуке – DAVAI - תיאטרון דוואי | Tel Aviv
Сайт – https://davai-group.org/

Фотографии – © Дор Кедми, Бени Гамзо, Даниэла Меламед – предоставлены театром DAVAI

Иерусалимский симфонический оркестр, маэстро Юлиан Рахлин и виолончелистка Даниэль Акта в Иерусалиме, Хайфе и Беэр-Шеве
2024-04-07 12:29 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото – © David Vinokur

Прекрасная программа ожидает истинных меломанов в первой половине мая. В центре ее – израильская премьера Симфониетты № 1 («На еврейские темы») для большого симфонического оркестра, ор. 41, Мечислава Вайнберга. Иерусалимский симфонический оркестр исполнит ее под руководством своего художественного руководителя маэстро Юлиана Рахлина. В трех городах прозвучат также Первая симфония Иоганнеса Брамса и Первый концерт для виолончели Йозефа Гайдна, в котором солирует талантливая юная виолончелистка Даниэль Акта.

Симфониетта № 1 «На еврейские темы» Мечислава Вайнберга будет исполнена в Израиле впервые. Композитор написал ее в тяжелом 1948 году. В январе того года в инсценированной автокатастрофе был убит его тесть – великий еврейский артист Соломон Михоэлс, начались аресты руководства Еврейского антифашистского комитета. Да и борьба с «безродными космополитами» была уже недалека. (Что еще более поразительно, в том же году Шостакович написал свой цикл «Из еврейской народной поэзии»!) В постановлении ЦК от февраля того же года лучшие композиторы страны были подвергнуты шельмованию за «антинародную формалистическую музыку». Имя Вайнберга в партийном приговоре не фигурировало, но и оно косвенно подразумевалось. Обращение в таких обстоятельствах к еврейской тематике было шагом неординарным…

Накануне майских концертов в Израиле Юлиан Рахлин отметил: «Я всегда мечтал исполнить музыку Вайнберга с Иерусалимским симфоническим оркестром, которым я имею честь руководить… Его Симфониетта № 1 еще не звучала в Израиле. Наше исполнение станет израильской премьерой этого потрясающего произведения. В конце сентября мы исполним его на моем фестивале во дворце Эстерхази в Австрии. Мы также включили эту Симфониетту в программу большего тура по Германии, Австрии и Франции. В этой фантастической по музыкальному воздействию Симфониетте звучат очень яркие еврейские темы, и я уверен, что она займет важное место в программе наших майских концертов.

Что касается исполнения Виолончельного концерта Гайдна, то в данном случае стоит подчеркнуть, что одна из моих задач на посту главного дирижёра Иерусалимского симфонического оркестра – предоставить возможность молодым израильским талантливым музыкантам выступать на большой сцене. Даниэль Акта, молодая, но уже известная виолончелистка, с которой я давно хотел выступить вместе. Исполнение же Первой симфонии Брамса – начало осуществления задумки представить с Иерусалимским симфоническим оркестром все симфонии Брамса».

Julian Rachlin by Vasilka Balevska

Скрипач, альтист и дирижер, Юлиан Рахлин вырос и получил образование в Европе. Очень многое в его жизни связано с Израилем – с 1990 года он практически ежегодно приезжает к нам в страну. Главным дирижером Иерусалимского симфонического оркестра он является с осени 2023 года, возглавляя параллельно Симфонический оркестр Кристиансанна (столица Южной Норвегии) с сезона 2023/24, а также являясь главным приглашенным дирижером Филармонического оркестра Турку (Финляндия) и художественным руководителем фестиваля во дворце Эстерхази в Айзенштадте (Австрия).
Юлиан Рахлин родился в 1974 году в Вильнюсе, в семье музыкантов (отец – виолончелист, мать – пианистка). В 1978-м семья эмигрировала из СССР. Рахлин учился в Венской консерватории у знаменитого педагога Бориса Кушнира и брал частные уроки у Пинхаса Цукермана.
Выиграв в 1988 году престижную награду «Юный музыкант года» конкурса «Евровидения» в Амстердаме, Рахлин приобрел мировую известность. Он стал самым молодым солистом в истории Венского филармонического оркестра. Его дебютным выступлением с этим коллективом дирижировал Риккардо Мути. С тех пор партнерами Юлиана являются лучшие оркестры и дирижеры.
Рахлин зарекомендовал себя и как замечательный альтист. Взявшись за альт по совету Пинхаса Цукермана, он начал карьеру на этом инструменте с участия в исполнении квартетов Гайдна. Сегодня в репертуаре Рахлина – все основные сольные и камерные сочинения, написанные для альта.
Со времени своего дирижерского дебюта в 1998 году Юлиан Рахлин сотрудничал с такими коллективами, как английский оркестр Академии святого Мартина в Полях, Копенгагенский филармонический и Люцернский симфонический оркестры, Венский «Тонкюнстлероркестр», Национальный симфонический оркестр Ирландии, Филармонический оркестр Словении, Чешский и Израильский филармонические оркестры, оркестр Итальянской Швейцарии, «Виртуозы Москвы», Английский камерный оркестр, камерные оркестры Цюриха и Лозанны, «Камерата Зальцбург», Немецкий камерный филармонический оркестр Бремена.

Мечислав (Моисей) Вайнберг (1919-1996) родился в Варшаве. Он вырос в музыкально-театральной еврейской семье и впитал мир национальных традиций, быта, музыки и театра. Он учился в Варшавской консерватории, считался одним из самых перспективных молодых польских пианистов и композиторов. Однако в начале Второй мировой войны, убегая от наступающих немецких войск навстречу вторгшейся с востока Красной Армии, он оказался в СССР. Пограничник, оформлявший документы, записал его Моисеем, это имя он и носил последующие сорок лет.
Отец, мать, сестра и брат Мечислава погибли в Варшавском гетто. Самому же
Вайнбергу довелось испытать и пережить то же, что и многим советским композиторам: жесткую критику (в период «антиформалистических» кампаний на рубеже 1940-50-х) и признание, звездные годы и полузабвение в конце жизни. В 1948 году по приказу Сталина был убит его тесть Соломон Михоэлс, за Вайнбергом была установлена слежка.
В ночь на 7 февраля 1953 года музыкант был арестован и 78 дней провел в Бутырской тюрьме. Только смерть Сталина и ходатайство Шостаковича спасли его.

Перу Мечислава Вайнберга принадлежит 22 симфонии, 17 струнных квартетов, 7 опер, 6 инструментальных концертов, 3 балета, 30 сонат… Его сочинения регулярно издавались, их исполняли и записывали выдающиеся музыканты: Эмиль Гилельс, Мария Гринберг, Леонид Коган, Мстислав Ростропович, Даниил Шафран, Геннадий Рождественский, Кирилл Кондрашин и оркестр Московской филармонии, Московский камерный оркестр Рудольфа Баршая, БСО под руководством Владимира Федосеева, Квартеты имени Бородина и имени Бетховена, многие другие музыканты. Но широкой публике в СССР он был знаком прежде всего по музыке к кинофильмам «Летят журавли», «Укротительница тигров», «Последний дюйм», «Афоня», мультфильмам «Винни-Пух», «Каникулы Бонифация», «Двенадцать месяцев»…

Danielle Akta. Photo by Asaf Ambram

Про 22-летнюю израильтянку Даниэль Акта часто говорят, что обаяние и стиль ее игры словно возрождают образ рано ушедшей из жизни выдающейся английской виолончелистки Жаклин дю Пре. Даниэль – победительница Израильского конкурса виолончелистов (2013), конкурсов FLAME в Париже (2014) и MUZE в Афинах (в 2013 и 2015 годах). Она является стипендиаткой израильских фондов «Шарет» и «Цфунот Тарбут». В декабре 2014 года Даниэль была приглашена Ицхаком Перлманом играть на праздновании 75-летия AICF в Нью-Йорке. В мае 2015 года она выступила в серии концертов с Израильским филармоническим оркестром. Даниэль – участница программы «Солисты будущего» в Музыкальном центре Раананы. Она необыкновенно непринужденна и музыкальна во всем, что делает, демонстрируя не только потрясающую технику игры, но и артистизм и чуткость.

---

Иерусалимский симфонический оркестр
Дирижер – Юлиан Рахлин
Солистка: Даниэль Акта – виолончель

В программе:
Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели № 1
Мечислав Вайнберг. Симфониетта № 1 («На еврейские темы») для большого симфонического оркестра ор. 41 (1948)
Иоганнес Брамс. Симфония № 1

8 мая, среда, 19.30 – Хайфа, «Аудиториум»
9 мая, четверг, 19.30 – Иерусалим, «Театрон Иерушалаим», зал Генри Крауна
11 мая, суббота, 21.00 – Беэр-Шева, Центр исполнительских искусств

Билеты в кассе «Браво» *3221 или на сайте Раз, раз, раз — Иерусалимский оркестр

Фотографии:
Юлиан Рахлин: © Ashley-Klaasen, Evgeny Evtiukhov, Todd Rosenberg, Vasilka Balevska
Оркестр – © David Vinokur
Даниэль Акта – © Asaf Ambram

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Ансамбль «Бат-Шева» представляет: «FURO» хореографа Охада Нахарина и художницы Табаимо
2024-03-23 16:58 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Фото – © Гади Дагон

«FURO» - это видео-арт и танец. «FURO» - это хореография Охада Нахарина и анимация японской художницы Табаимо (Аяко Табата). «FURO» – ожившая анимэ, трехмерный комикс-манга в исполнении «Бат-Шевы», балетная инсталляция анимации. «FURO» в первоначальном варианте появилось давно – в 2004-м как анимация, затем, как шоу в постановке Нахарина, – в 2006-м году в Швеции, позже – в 2008 в Тель-Авиве, в специально возведенном павильоне в Тель-Авивском порту, вызвав фурор – фурор FURO, затем было показано в центре Сюзан Далаль в 2012-м году в честь 60-летия дипломатических отношений между Японией и Израилем. И вот: третье тель-авивское явление - на сей раз в студии «Варда» ансамбля «Бат-Шевы» в центре Сузан Далаль с 24 марта по 6 апреля 2024 года.

Табаимо описывает свои работы как повседневные пространства дискомфорта, как сложную критику традиционного японского общества. В «FURO» на трех огромных экранах показывается японская баня (о-фуро) - анимационный фильм Табаимо, обновленная версия ее работы 2004 года – рисованная в стиле «манга» традиционная японская баня фуро, события в которой зачастую смотрятся как порождения фантазии. На фоне проецируемого банного ритуала танцоры проводят «живой ритуал» - через движения, вокал и музыку.
Балет «FURO», впервые созданный в 2006 году для Еврейского музея в Стокгольме, бросает вызов условностям того или иного жанра искусства. «FURO» - постановка вне жанров, в пространстве, определяемом движениями сменяющихся танцоров в цикле шоу-танца, которое длится несколько часов. Зрители «пребывают» в этом видео-балетном пространстве, могут оставаться «внутри» этой работы несколько часов, могут входить и выходить, двигаться, смотреть, радоваться…
«FURO» – не чистый балет, а некое длительное действо, в котором надо поучаствовать, чтобы прочувствовать его. И главное: «FURO» - доказательство того, что те, кто считает будто они уже все видели, всё давно знают, и что всё давно изобретено, слегка ошибаются. «Искусство бесконечно. Кто сомневается – знайте: в город приехал хореограф Охад Нахарин со своим ансамблем, непредвзятым отношением к жизни и широким взглядом на искусство» – так писали газеты в Стокгольме после мировой премьеры в Швеции «FURO» в марте 2006 года.

«FURO» вызывает своего рода аддикцию, потому что это шоу – сколь точно, столь и аморфно, и никогда не достигает окончательной формы. Каждый раз немного по-другому. Каждый раз немного другой танец. Каждый раз обновленная постановка открывает новые пласты. Каждый раз наши глаза видят немного больше – новую перспективу, новую интригу, новые необыкновенные впечатления.
В отличие от настоящей японской бани о-фуро в тель-авивском «FURO» не так душно и влажно – работают кондиционеры, но накал страстей достигает температуры горячей воды в шайках, умноженный на явный экспериментальный характер постановки, которая относится к новому жанру: не к анимации, не к видео-дансу, не к современному балету, а к чему-то другому, без сомнения, прекрасному.

Исполняют «FURO» 16 участников ансамбля «Бат-Шева» - но поочередно. Танец идет на фоне анимации: движения танца сочетаются с движением кадров по-разному, в зависимости от частоты прокрутки. Loop анимации - 12 минут, танца – 45-55 минут. Танцоры составляют множество дуэтов - мужские, женские, смешанные, поэтому смотрится это представление каждый раз по-разному. В Тель-Авиве «FURO» исполняют как мужчины и женщины – в отличии от авангардного «Еврейского театра» в Стокгольме, заказавшего эту постановку в 2006-м году, когда танцевали только мужчины.
Еврейский театр в Швеции – не традиционный идишский, а экспериментальный. Ежегодно в его зале показываются оригинальные заказные постановки, высокотехнологичные и межжанровые. «FURO», как баня шайками, наполнен технологией: видеоэкраны, проекторы и прожекторы, вращающаяся сцена, динамики, освещение сверху и снизу, эффекты, шумы, Япония, манга. Всем управляет компьютер, а танцовщиками руководит фантазия. Этот анимационно-балетный спектакль-манга показывался в Стокгольме несколько месяцев, позже покатился по мировым фестивалям, а в 2008 году был, как уже сказано, представлен в тель-авивском порту.

Визуальный эффект, которого достигли Нахарин и Табаимо – великолепен. «FURO» - смесь анимации и движения, наивности и урбанизма, светлого и темного, стремления к чистоте и жажды крови, юмора и трагизма, картинок и смешков, песенок и слез, вибраций и желтых шаек с непонятными японскими надписями. Срочно - учить японский! Срочно - учиться танцевать! А до этого смотреть «FURO» в зале «Варда» в центре Сюзан Далаль с 24 марта по 6 апреля 2024 года.

Даже тому, кто хорошо знаком с японскими комиксами манга, традициями анимэ, с современной японской анимацией и с балетными постановками «Бат-Шевы» трудно представить, что такое «FURO»: помимо уже сказанного, это два сцепившихся борца сумо, чувственные танцоры, мерно, как маятники, ритмично двигающиеся между 60 банными ярко-желтыми шайками, вороны, полицейские, человек, сдирающий с себя слои кожи, словно лишнюю одежду, синхронно танцующие пары, женщина-гигант, младенец, спрятанный в выдвижном ящике, женщины в о-фуро – японской бане, волки, стаей вылетающие из бассейна. Плеск воды. Голоса. Музыка. И анимация, выплескивающаяся в зал с экранов и подхватываемая танцовщиками в живом движении.

История создания «FURO» такова: Охад Нахарин увидел в галерее в Челси в Нью-Йорке одну из анимационных работ Табаямо «Японская баня». Позже этот ролик видео-арта демонстрировался в Музее Израиля в Иерусалиме на выставке «Восходит солнце, растворяется луна», где присутствовала и сама Аяко Табата. Нахарин использовал этот видео-арт, как анимационный рассказ, на основе которого он создал рассказ хореографический – увлекательный, точный и иной.
Табаимо – одна из самых любопытных на сегодня японских художниц. На 54-м венецианском биеннале в 2011-м году Аяко Табата оформила японский павильон и представила свою новую работу, после чего ее творчество назвали «сумрачной стороной японского искусства». Сумрачный, странный внутренний мир работ – абстрактных, сюрреалистических, беспокойных, - критикующих японское общество, используя для этого японские же традиционные образы и понятия, черный юмор, абсурд и приемы комиксов-манга. Она манипулирует образами-символами, как Нахарин – танцовщиками. Видео-арт Табаимо был инспирирован гравюрой 19 века и искусством манга - японских комиксов. Получилась рисованная анимация, традиционная японская купальня в новом преломлении, населенная борцами сумо, рыбами и птицами, фигурами, возникающими из пара над бассейном и образами, в этот же бассейн погружающимися. По просьбе Охада Нахарина Табаимо добавила несколько новых эпизодов к варианту 2004 года и заново смонтировала видео-ролик. Перед экранами на высокой вращающейся сцене близко к публике стоит пара танцовщиков. Смена каждого дуэта – 45-55 минут, после loop, в танце, как часть хореографического перехода, пара меняется.
Сны о Японии не оставляют Охада Нахарина, как-то признавшегося, что его мечта - переехать на какой-нибудь дальний остров Рюкю. Возможно, что поначалу именно во сне он и увидел «FURO» – еще до того как увидел наяву, сначала рисованным в видео-арте Табаямо, вместе с которой и создал жанр FURO.

---

«FURO» – c 24 марта по 6 апреля. Вход с 18:00 до 21:45. В пятницу – с 12:00 до 15:45, в субботу – с 12:00 до 21:45, в воскресенье с 18:00 до 20:00
Заказ билетов (стоимость – 100 шекелей) - Schedule - Batsheva Dance Company
Зал «Варда», Центр Сюзан Далаль, улица Йехиали 6, Неве Цедек, Тель-Авив

Ссылка на видео: FURO - Batsheva Dance Company

Обратите внимание: в связи с характером мероприятия время входа в зал может быть незначительно изменено. Пожалуйста, подчиняйтесь указаниям билетёров. Места не нумерованы. Клиентам в инвалидных колясках предлагается связаться с кассирами по телефону.
На каждое представление часть билетов будет бесплатно раздаваться эвакуированным, а также солдатам и резервистам ЦАХАЛа.
Представления проходят в соответствии с указаниями Командования Тыла в зеленом городе.
Внимание, в зал нельзя входить с оружием.

Хореография: Охад Нахарин | Видеоарт: Табаимо (Аяко Табата) |
Художник по свету: Ави Йона Боано (Бэмби) | Саундтрек: Охад Фишофф | Художник по костюмам: Ари Накамура.
Музыка: Dafeldecker “Bern”, Hazard, “Meteosat”, Ohad Fishof “Zipper”, A Small Good Thing “Let’s Get Ripped”, Peaches “AA XXX”, Gino Vanneli, “Crazy Life”, The Anomoanon “Planet Caravan”, Raymond Scott “Twilight in Turkey”, Atom tm “I Love”, Nim “Raouchen ist Todlich”, Turbonegro “All my Friends Are Dead”.

При поддержке Фонда семьи Зиты и Марка Бернштейнов и Factory 54
Мировая премьера: 24 марта 2006 г., Еврейский театр, Стокгольм, Швеция

Текст – © Маша Хинич. Фото – © Гади Дагон

Ансамбль «Бат-Шева» представляет: «Три» Охада Нахарина
2024-03-20 14:46 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото: cцена из балета “Три” ансамбля “Бат-Шева. Photo – © Ascaf

Охад Нахарин поставил балет «Три» («Шалош») – каноническое произведение, одну из своих самых сложных и красивых работ для ансамбля «Бат-Шева» еще в 2005 году. Это танец, который не боится пристального взгляда, который не извиняется за хрупкость, человечность и утрирование, дает редкую возможность взглянуть на многолетние исследования движения Охадом Нахарином и ансамблем «Бат-Шева».
«Три» – тройной, состоящий из трех мини-балетов с латинскими названиями-подсказками спектакль: «Bellus» (красота), «Humus» (гумус – плодородный слой почвы) и «Secus» (перевода не требуется). Этот балет-триптих был показан на множестве престижных фестивалей и сцен в десятках стран мира, включая фестиваль Монпелье во Франции, в «Линкольн-Центре» в Нью Йорке, в Лондоне в рамках «Sadler’s Wells», в Берлине на «Фестшпиле», в Мельбурне и в других городах мира.

9, 10 и 11 мая 2024 балет «Три» будет представлен на сцене Оперного театра Тель-Авива. Как обычно, в обновленной версии, потому что Охад Нахарин каждый раз заново перекраивает свои прежние постановки, прилаживая их к новому составу участников ансамбля «Бат-Шевы», как и этот 60-минутный балет «Три» для 16 танцовщиков.Охад Нахарин говорит, что каждая из трех частей постановки «Три» самостоятельна и обособлена и на деле между ними не существует никакой связи, кроме того факта что они соединены в одном спектакле. Но Нахарину – и его балетам – свойственна ирония, как и всем трем частям «Три», безусловно, связанных единой хореографической мыслью. «Три» – как и другие постановки «Бат-Шевы» – находится в постоянном развитии, и этот процесс развития и обновления не менее важен, чем сам процесс создания новых работ.
Охад Нахарин заново и заново переделывает свои работы, точнее – развивает их движение и посыл в соответствии с временем, обстоятельствами и тем, что привносят в него очередное поколение танцовщиков. Так что, сегодняшний балет «Три» («Шалош») – результат самосовершенствования со времен премьеры постановки, посвященной исследованию внутренней точности танца и его временной составляющей, использованию переходов от резких матриц к пластичной ленивой грациозности, к природной аморфности.

Cцена из балета “Три” ансамбля “Бат-Шева. Photo – © Ascaf

«Три» – это всплески энергии в плотной структуре танца, сюрпризы реальности, чувственность и сопереживание. Нахарин представляет эклектичное танцевальное шоу – как всегда с юмором, с удивительной изобретательностью, с новыми импульсами, с концентрированной энергией, импровизированными ответами и своеобразными играми этого слоистого многомерного танца.
Первая часть «Bellus» – исполняется пятью знакомящимися в процессе круговерти парами, танцующими под музыку баховских «Гольдберг-вариаций» в трактовке Глена Гульда. Скоординированные, осторожные, почти кукольные, почти механически, простые движения под абсолютную гармонию «Гольдберг-вариаций». «Меня поражает математическая точность и логичность этой музыки, – объясняет Охад Нахарин. – Одно из самых больших чудес в ней – тишина между звуками. Эта тишина заостряет движения танцоров и подчеркивает их индивидуальность».
«Humus» – танец 9 танцовщиц на едва слышную – тихую и еще тише – музыку Брайана Ино «Neroli». Появлению девяти амазонок-горгулий, куда-то целенаправленно бегущих на месте, предшествует танцовщик, пересекающий сцену с монитором телевизора под мышкой. На экране – он сам, непрерывно бормочущая голова. Девять танцовщиц исполняют набор коротких отрывков. Каждый раз танцовщицы начинают новый сюжет. «Мне было интересно создать атмосферу места, обладающего скрытой силой. Места, напоминающего гоночную машину, едущую со скоростью 30 километров в час».
«Secus» – танец для 16 танцовщиков. Саундтрек к нему создал музыкант Охад Фишоф, смикшировав записи современных рок-групп, музыку от Стефана Ферри до Beach Boys; а также музыку электронную, фанк-рок и даже мелодии мобильных телефонов, энергию танцорам передающую почти что электрическую – от внезапных взрывов анархии до полного контроля. «В этой части мне хотелось стереть границы и показать страсть, силу, плоть, наслаждение мгновением».

Cцена из балета “Три” ансамбля “Бат-Шева. Photo – © Ascaf

Нахарин во многих своих балетах отталкивается от литературных источников (самый известный – это «Вирус» по пьесе «Оскорбление публики» («Publikumsbeschimpfung» 1966 года – Publikumsbeschimpfung und andere Sprechstücke – «Публичные ругательства и другие части речи» известнейшего австрийского романиста и драматурга, представителя новой волны австрийской литературы драматурга Петера Хандке), в части из них звучат слова – в буквальном смысле, то есть декламируются тексты, органично вплетенные в танец, в движение. И потому эти балеты походят на вытанцованные рассказы, где танцовщики – словно буквы, складывающие в балет некую историю волей хореографа – на сей раз обновленную историю, потому как Охад Нахарин каждый раз заново перекраивает свои прежние постановки, прилаживая их к новому составу участников ансамбля «Бат-Шевы».

Хореограф Бенджамин Мильпье назвал «Три» «одним из самых интригующих произведений», представленных им в годы его работы художественным руководителем балета Парижской оперы.
Джиа Коралес, критик New York Times, писала : «Когда ансамбль Нахарина приезжает в город, мы можем быть только благодарны. Когда ансамбль приезжает с балетом «Три», мы благодарны втройне».
Анат Захария «Едиот Ахронот»: «Три» позволяет заглянуть в частные потайные покои Нахарина – туда, где возникают образы, и где они превращаются в живую сущность».

Cцена из балета “Три” ансамбля “Бат-Шева. Photo – © Ascaf

---

Ансамбль «Бат-Шева». «Три». Хореография – Охад Нахарин
Оперный театр Тель-Авива
Четверг, 9 мая в 20.00
Пятница, 10 мая в 13.00
Суббота, 12 мая в 17.00

** В постановке есть фрагменты с обнаженными исполнителями.*

Танцовщики ансамбля «Бат-Шева» – сезон 2023-2024:
Ияр Эльэзра, Билли Барри, Ади Блюменрайх, Яэль Бен-Эзер, Ярден Барекет, Гай Дэвидсон, Шон Хоу, Матан Коэн, Адриан Липсон, Джанни Нотарникола, Эри Накамура, Йони (Йонатан) Симон, Данай Порат, Игорь Пташенчук, Натан Чиппс, Лондивэ Коза.Художник по свету: Ави Йона Буэно (Бамби)
Саунд: Охад Фишоф
Музыка: Bellus: Goldberg Variations, J.S. Bach / Humus: original music by Ohad Fishof / Secus: Chari Chari, Kid 606 + Rayon (mix: Stefan Ferry), AGF, Chronomad (Wahed); Fennesz, Rajesh Roshan, Seefeel, The Beach Boys

Особая благодарность Рои Ицхаку Халеви за вклад в процесс создания этой работы

Мировая премьера прошла 12 февраля 2005 года в Центре Сюзан Далаль в Тель-Авиве.

Информация и билеты в кассе в «Браво»: Три — Охад Нахарин или в кассе Оперного театра по телефону 03-6927777.

Текст – © Маша Хинич. Фото – © Ascaf
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

«Большая классика» в Ашдоде – ближайшие концерты
2024-03-04 18:52 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Центр сценических искусств Ашдода предлагает жителям города и любителям классической музыки программу 12-го концертного сезона «Большая классика» на 2024-й год. Шедевры классической музыки прозвучат в исполнении таких оркестров, как Иерусалимский Симфонический оркестр, Симфонический оркестр Ришон ле-Циона и Израильской Оперы, Хайфский Симфонический, Камерный Оперный Оркестр Ашдода и лучших израильских и зарубежных музыкантов.

Центр сценических искусств в Ашдоде – «Мишкан ле-омануёт» – объявил программу сезона, программу балетных спектаклей, классической и камерной музыки, программу мероприятий для детей и многое другое.
В программах учтены как вкусы широкой публики, так и наиболее взыскательной ее части. Как тех, кто любит легкую классику, так и тех, кто предпочитает слушать редко исполняемые, даже в филармонии произведения, а также и тех, кто ищет качественное времяпровождение для всей семьи.
В этом году «Большая классика» открывает свой 12-й сезон, его программа состоит из нескольких концертов; абонемент пользуется огромной популярностью, в первую очередь, из-за качества программ – по уровню они конкурируют с лучшими залами страны.
В каждом сезоне «Большой классики» есть что-то новое и интересное, что-то будет представлено в Ашдоде впервые, и есть вещи, на которые публике стоит обратить особое внимание. В программе 12-го сезона – разнообразие жанров и композиторов. Много известных, ярких музыкальных произведений, много романтической музыки, любимой публикой, в исполнении выдающихся музыкантов международной сцены.
В программу концертов серии «Большая классика – шедевры классической музыки» включены в этом сезоне произведения: Шостаковича, Чайковского, Шумана, Рахманинова, Бетховена, Альбениса, Де Фальи, Бизе, Рихарда Штрауса, Баха Моцарта, Листа, композиторов XX века и современных израильских композиторов.
В серии участвуют Иерусалимский Симфонический оркестр под руководством скрипача и дирижера Юлиана Рахлина (Австрия), под руководством дирижёра Йи-Ан Сюй (Китай – Израиль); Камерный Оперный Оркестр Ашдода (дирижёр – Ваг Папян); Симфонический оркестр Ришон ле-Циона (дирижёр – Дан Этингер), Хайфский Симфонический Оркестр (дирижер – Эйтан Шмайсер).
Среди солистов серии «Большая классика»: скрипач Юлиан Рахлин, солистки Израильской Оперы – Ира Бертман и Шай Блох, лауреат конкурса Артура Рубинштейна пианист Даниэль Чобану, скрипач Стефан Ружье и другие.
Редактор всех концертных программ классической музыки – Янина Кудлик, директор ашдодской консерватории «Акадма».

Itamar Fainberg. Photo – © Yoel Levi

Воскресенье 10.03.2024, 20:30
«Император». Концерты для фортепиано и оркестра
Иерусалимский Симфонический Оркестр
Дирижёр – Йи-Ан Сюй (Китай – Израиль)
Солисты – Итамар Файнберг, Йонатан Сеник, Яэль Колдовски
В программе:
Концерты для фортепиано с оркестром:
Рахманинов. Рапсодия на тему Паганини
Бетховен. Концерт №5 «Император»
Шопен. Концерт № 2 фа-минор
https://www.mishkan-ashdod.co.il/event.asp?event=5108

Пианист и дирижер Йи-Ан Сюй родился в Шанхае в 1979 году. В 2005 году был назначен преподавателем Музыкальной академии Бухмана-Мета в Тель-Авивском университете, а затем старшим преподавателем кафедры оркестрового дирижирования, а также преподавателем и концертмейстером вокального отделения. В 2019 году по решению маэстро Зубина Меты и маэстро Лахава Шани, Йи-Ан Сюй был назначен главным дирижером студенческого оркестра Школы Бухмана-Мета.
Йи-Ан Сюй дирижировал ведущими израильскими оркестрами, такими как Израильский Филармонический оркестр, Израильский Симфонический оркестр Ришон ле-Циона, Хайфским Симфоническим оркестром, Иерусалимским Симфоническим оркестром, Израильским Камерным оркестром и другими.
Г-н Сюй был главным дирижером Шанхайского симфонического молодежного оркестра, помощником дирижера Симфонического оркестра Шанхайского управления радиовещания, помощником дирижера Шанхайского оперного театра и приглашенным дирижером Симфонического оркестра Макао. Он также работал в качестве педагога и концертмейстера в международном оперном мастер-классе Киари (Италия), а также как педагог и приглашенный концертмейстер в Высшей музыкальной школе Университета Аделаиды (Австралия).
Еще будучи студентом Шанхайской консерватории, Йи-Ан Сюй получил особую благодарность от маэстро Мстислава Ростроповича и маэстро Сэйдзи Одзавы за свои дирижерские способности. Йи-Ан Сюй записал коллекцию из десяти компакт-дисков на лейбле China Record с Шанхайским молодежным симфоническим оркестром.

Четверг, 28.03.2024, 20:30
«Драма Всей Жизни»
Хайфский Симфонический Оркестр
Дирижер – Эйтан Шмайсер
Солистки израильской оперы – Ира Бертман (сопрано),
Шай Блох (меццо-сопрано)
В программе:
Знаменитые арии и дуэты из романтических опер:
Верди (Аида, Дон Карлос, Трубадур), Беллини (Норма),
Пуччини (Мадам Баттерфляй, Сестра Анжелика),
Чайковский (Пиковая Дама, Евгений Онегин)
https://www.mishkan-ashdod.co.il/event.asp?event=5110

Среда 22.05.2024, 20:30
«Гармония в нюансах»
Камерный Оперный Оркестр Ашдода
Дирижёр – Ваг Папян
Солист- скрипач и альтист Стефан Ружье (Бордо, Франция)
В программе:
Франк. Симфония ре-мажор
Макс Брух. Концерт № 1
Лист. Симфоническая поэма «Прелюды» (Les preludes).
https://mishkan-ashdod.co.il/event.asp?event=5112

Стефан Ружье – французский скрипач и альтист – выступает на крупнейших международных сценах Нью-Йорка, Сан-Франциско, Токио, Пекина, Гонконга, Лондона, Мюнхена.
Поступив в 14 лет в Национальную консерваторию в Париже и получив премии в области скрипичной и камерной музыки, Ружье отправился учиться в Германию, где начал карьеру камерного музыканта исполнителя на альте и скрипке.
Сегодня Стефан Ружье – ведущий солирующий скрипач в Опере Бордо и в Парижской Опере; уже более десяти лет он регулярно выступает вместе со многими ансамблями как во Франции, так и в мире. Ружье регулярно приглашают на известные фестивали, в том числе на фестиваль Бартока в Венгрии, Клостернойбург в Венгрии, Folle Journée в Нанте, на фестивалях в Токио, Бильбао и в других странах.
Стефан Ружье придает большое значение исполнению музыки современных произведений; выступает вместе с «Квартетом Бордо», создает музыку для фильмов, балетов и преподает камерную музыку.
Ружье также руководит несколькими фестивалями камерной музыки во Франции и в других странах, объединяя ведущих солистов и камерных исполнителей. Он создал несколько традиционных музыкальных ансамблей, в том числе Meshouge Klezmer Band, где он играет, сочиняет и поет центрально-европейские народные мелодии, а также ансамбль аргентинского танго, занимается электронной музыкой и музыкой барокко.

Daniel Ciobanu. Photo © Alex Coman

Воскресенье 23.06.2024
«День Победы»
Симфонический оркестр Ришон ле-Циона
Дирижёр – Дан Этингер
Солист – пианист Даниэль Чобану (Румыния)
В программе:
Григ. Концерт для фортепиано с оркестром
Брукнер. Симфония №4 «Romantic»
https://www.mishkan-ashdod.co.il/event.asp?event=5113
Лауреат 17-го конкурса пианистов имени Артура Рубинштейна Даниэль Чобану – один из ярчайших исполнителей фортепианной музыки нового поколения; он очень востребован сегодня на концертных площадках мира. Конкурс им.Рубинштейна стал важной вехой в его творческой карьере: выдающийся молодой пианист после восторженных оценок жюри и публики получил целый ряд выгодных контрактов; помимо великолепной техники, жюри отметило его артистическую харизму, умение держать зал, устанавливать контакт с публикой. Чобану исполняет самый широкий репертуар, от классики до джаза, переходит от тонкой лирики к юмору, и делает это легко, элегантно и весело. На своем интернет-сайте он так определяет собственный исполнительский стиль: «Коктейль из классики, леденцов и фейерверков фортепианной музыки».
Чобану окончил Королевскую консерваторию Шотландии. Даниэль Чобану – выпускник Королевской консерватории Шотландии. Все последние годы пианист с успехом выступает на различных международных фортепианных конкурсах. Помимо конкурса имени Рубинштейна, в его активе – конкурс пианистов в Мори (Шотландия), международный конкурс Бромсгров (Великобритания), международный конкурс пианистов им. Адилии Алиевой (Франция), международный конкурс пианистов Андре Дюмортье (Бельгия) и международный конкурс пианистов в Монрон-ле-Бен (Франция). Чобану выступал с симфоническим оркестром Королевской консерватории Шотландии, Филармоническим оркестром Марокко и Королевским шотландским национальным оркестром.
Вот что пишет о его игре Джордж Грелл, критик нью-йорского обозрения классической музыки: «Чобану любит яркие аккорды. Немногие пианисты могут сделать звук «Стэнвея» таким же прекрасным».

Администрация оставляет за собой право вносить изменения в программу абонемента

Подробно с программой «Большая Классика – шедевры классической музыки» можно познакомиться на сайте: https://mishkan-ashdod.co.il/cat.asp?category=2055&sub=2060

Продажа абонементов на концерты в кассе Центра сценических искусств Ашдода по тел. 08-9568111 и на сайте: https://bit.ly/3qIhOpY

Билеты на концерты также в кассе «Браво»: Представления по организатору: Центр сценических искусств Ашдод

Фото : Итамар Файнберг – photo © Йоэль Леви, Яэль Колдовски – photo © Олег Коллдовский
Йонатан Сеник – photo © Лацко Пагич
Йи-Ан Сюй – photo © Fred Braunstein
А также: Vasilka Balevskalow , Alex Coman , Haim _Kimhi , Yoel Levi , Marco Borggreve , Oleg Koldovsky , Yossi Zwecker , Mark Zholkovsky, Herve L efebvre, Haim Kimchi.

Все фотографии предоставлены Ашдодским Центром Сценических искусств

Текст подготовила Маша Хинич

Пиар–агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

«Последняя пьеса Антона Павловича»
2024-03-04 00:11 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Независимый мультикультурный театральный проект «БЕЛЫЙ ТЕАТР» объявляет о своей новой премьере.
В конце апреля на суд зрителей будет представлен новый спектакль в постановке художественного руководителя «Белого театра» Михаила Кайта «Последняя пьеса Антона Павловича».

На сцене будут показаны современные вариации в авторском прочтении на тему «Вишневого сада» – последней пьесы великого драматурга, в которых удивительным образом соединяется мир героев пьесы с миром самого автора, его мыслями, чувствами и переживаниями в последние годы жизни, когда Чехов работал над «Вишневым садом», его отношением к самой пьесе, ее героям. В этом переплетении судеб героев пьесы с судьбой автора и в их воображаемом диалоге с ним проявляется основной замысел спектакля. И в спектакле, наряду с героями пьесы, присутствует он – автор, создатель, режиссер жизни обитателей вишневого сада.
Мотивами предощущения финала, ускользающего счастья, утраты дома, расставания с любимыми людьми, прощания и прощения пронизана последняя пьеса Чехова. А главной темой сценического повествования становится тема невозможности возвращения назад ни в пространстве, ни во времени.
Почему «Белый театр» решил обратиться к этой пьесе?

Потому, что история утраты дома, сада, как некой духовной и человеческой опоры, как жизненной оси, как места безоговорочного счастья, рассказанная сквозь призму эмиграции, становится сегодня очень важным и нужным высказыванием и звучит как никогда больно и пронзительно. Эта история про очень многих и многих из нас сегодняшних.
Одним из главных событий спектакля становится отъезд Раневской в Париж после смерти мужа и гибели сына. Именно с него начинается распад очага, прощание с садом, разрыв нитей, связывающих близких друг другу людей, движение по наклонной в неминуемую пропасть, где всех героев ждут разочарования, утраты и потери. Внутри героев зияет невосполнимая пустота, живет странное ощущение, когда твой дом, куда ты вернулся за глотком счастья, за спасением от напастей судьбы, стал тебе чужим. В нем все знакомо и незнакомо, в нем одинаково больно и сладостно. Счастье, некогда обитавшее в этом саду, осталось в прошлом, и вернуть его не представляется возможным.
Дом, в котором ты когда то был счастлив и который ты покинул, станет для тебя чужим. Дом не прощает измен. Теряя его однажды физически, ты теряешь его навсегда внутри себя.
Что же такое вишневый сад в судьбе этих людей – счастье или тяжелый якорь? И что такое его продажа – трагедия или избавление?
Все в этой пьесе говорят о том, как спасти сад, а думают о том, нужно ли его спасать.

*****

«Последняя пьеса Антона Павловича»
Обработка, постановка, пространство и музыкальное оформление – Михаил Кайт
Костюмы – Женя Шехтер
Бутафория – Илья Давыдов
Световое оформление – Михаил Чернявский, Инна Малкин
Видео – Евгений Романовский
В спектакле участвуют: Валерия Буздыгар, Мишель Иоффе, Диана Флеер, Евгения Итин, Иван Забашта, Борис Плаксин, Дарья Глобенко, Дана Кучеровская.
Дизайн афиши – Евгений Романовский

Спектакль создан при поддержке Министерства культуры Израиля
Особая благодарность Гильдии независимых режиссеров Израиля
Даты спектаклей в апреле и июне 2024 года: 18.4, 19.4, 20.4, 14.6, 15.6
Начало – 20:00

Все спектакли идут на иврите (без перевода на русский язык).

Спектакли пройдут в зале «Театрон а-Ханут» в Тель-Авиве גלריה תיאטרון החנות
Полная информация и заказ билетов на сайте театра: https://www.hanut31.co.il/events/hmhzh-hhrwn-sl-ntwn-zkwb-2024-04-18-20-00
или здесь: https://t.me/teatronlavan
Страница мероприятия в фейсбуке https://www.facebook.com/events/3566996080297157/3566997343630364

«6:0 в мою пользу». Жизнь как фестиваль
2024-03-03 23:52 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Жизнь во многом похожа на джаз… лучше всего, когда импровизируешь.
Джордж Гершвин

«6:0 в мою пользу» – так назвал музыкальный фестиваль в честь собственного юбилея израильский супер-джазмен, супер-музыкант, композитор, аранжировщик, организатор, знакомый всем Леонид Пташка, которого – повторим эту фразу вновь в который раз за много лет – нет нужды представлять публике. Но все-таки, представим этого человека, жизнь которого подобна музыке, и, казалось бы, он по жизни играет, а не работает. Но это только кажется… Юбиляр принимает гостей на собственном фестивале. Воздадим же ему честь.

Его жизнь – это само посвящение музыке с 4 лет, и с 8 лет – джазу, с того дня, когда отец подарил ему пластинку у с записями выдающего пианиста-виртуоза Оскара Питерсона. Жизнь можно воспринимать как аналогию с музыкой, можно – как одно большое путешествие, а у Леонида Пташки – это большое музыкальное путешествие по жизни, по музыке, по творчеству и идеям. Идеи у него не переводятся никогда – как и энергия – и потому Леонид Пташка совместно с компанией «Жемчужины музыки» организует на собственный юбилей музыкальный фестиваль, атмосфера которого зажжет свет в каждом, кто его посетит – и не только у зрителей, но и у приглашенных коллег-музыкантов.

Электрическая энергия, пульсирующая в музыке Леонида Пташки и его друзей – это невыразимо притягательно, это выброс адреналина, это встреча с людьми, посвятивших себя музыке и самым сладким мелодиям джаза. В этих мелодиях – сила музыки и ее уникальность. И сам фестиваль – это больше, чем музыка и юбилей, это еще сила дружбы и общность профессионалов. Так что когда наступит май, то придет время отправиться на один из самых громких джазовых фестивалей этого сезона – «6:0 в мою пользу», концерты которого будут проходить и в Тель-Авиве и в Хайфе. Фестиваль голосов, музыки, ритмов, мелодий, свободы.

Джаз хорош, когда музыкант, который его играет, делает это смело. Он должен плыть вместе с музыкой, чтобы в какой-то момент музыка перестала создаваться, а творила сама себя. Музыка – это стихийная сила, ищущая выражения. Джаз отправляется на исследование неизведанного. Чтобы оценить джаз, нужно время, – и оно настало. Основа джаза – неопределенность. Эта неопределенность пронизывает музыку на всех уровнях и во всех формах. Эта особенность привлекательна для тех, кто жаждет удивляться и готов к открытиям. И на фестивале «6:0 в мою пользу» будет всё – и новые музыка, и открытие, и неожиданные сюрпризы.
Следуйте своему ритму. Слушайте свою музыку. Спойте ее. Приходите на фестиваль.

Вот что говорит сам Леонид Пташка: «Джаз – это свобода. И главное, чтобы слушатели, пришедшие на концерты этого фестиваля, ушли счастливыми, получив максимальный заряд энергии. Нас – всех участников этой программы – объединяет та самая неудержимая энергия любви к музыке и виртуозное владение инструментом. Джаз – жанр, предполагающий много импровизации и спонтанности, но в концертах будет звучать и авторская музыка. Я объединил композиторские возможности и ощущения, энергетику всех музыкантов. Обещаю, что это будут живые и энергичные концерты. Джазовая классика и классика, вокал, джазовое трио, блюз, свинг, рок-н-ролл, стандарты жанра, авторские произведения, аранжировки, импровизации, джаз в духе нью-орлеанского парада, твист, буги-вуги, джаз карибский, бразильский, кубинский – все это составляющие программы. Каждый из слушателей найдет в программе фестиваля то, что он любит, а приподнятое настроение я гарантирую. Редко случается, когда ощущаешь полное взаимопонимание в музыке и творчестве, но с теми музыкантами, которые участвуют в фестивале «6:0 в мою пользу» это получилось».
Программа фестиваля выстроена на музыкальных диалогах, на золотых джазовых стандартах, на знакомых мелодиях, которые недаром обожают музыканты всего мира и которые дарят безграничные возможности самовыражения, и на авторской музыке.

Леонид Пташка, чье имя Американский биографический институт внес в список 100 лучших джазовых музыкантов двадцатого века, стал неотъемлемой частью израильского музыкального пейзажа. Пташка влюблен в джаз с детства. Его карьера в этом, самом непредсказуемом музыкальном жанре началась в СССР. Именно Пташка был первым джазовым музыкантом, которого выпустили из СССР на гастроли в США. В этой стране Пташку ждал большой успех — он был включен в 100 лучших джаз-музыкантов столетия, играл в Белом Доме. И хотя за время своей карьеры, Пташка не ограничился джазом, а выработал собственные стиль и манеру игры, джаз остался его главной любовью, а сам он стал неотъемлемой частью израильского музыкального истеблишмента.
Леонид Пташка родился в Баку, учился в Москве. К концу 1980-х Пташка уже имел всесоюзную известность, его концерты собирали многотысячную аудиторию, он объездил с гастролями многие страны, параллельно работал на центральном телевидении в программе “Взгляд”. И все-таки, в 1990 году решился на репатриацию в Израиль, надеясь, что уже начавшаяся тогда массовая алия из Советского Союза обеспечит его аудиторией. Но этого не случилось. В Израиле музыканту пришлось начинать все с нуля. Но уже в 1994 году Пташка все-таки сумел организовать первый джазовый фестиваль в Ашдоде. А затем – десяток других фестивалей, тысячи концертов, миллион встреч.
Параллельно Леонид Пташка инициировал открытие джазового отделения при консерватории «Акадма», стал также преподавать в тель-авивской консерватории им. Штрикера и открыл частную музыкальную школу. В 2003 году получил медаль Кнессета в знак признания его достижений и заслуг перед Израилем.
Список его достижений – огромен, так и как положено юбиляру. Так что приглашаем всех на фестиваль «6:0 в мою пользу» – у вас будет возможность и послушать музыку и отдать честь музыканту.

Полностью программа тель-авивских и хайфского концертов джазового юбилейного фестиваля Леонида Пташки «6:0 в мою пользу» выложена на сайте – https://pearl-music.co.il/glavnaya/
или здесь https://bit.ly/3uJmj5G

ПРОГРАММА ФЕСТИВАЛЯ:
Тель-Авив – Яффо, 3 мая 2024 года, пятница, 20:00
Центр музыкальных искусств Яффо (ул. Шеарит Исраэль 10)
Перед концертом – коктейль.
Презентация фотовыставки Алекса Гора
Леонид Пташка – фортепиано
Гиль Шохат – фортепиано
Мирелла Градинару – сопрано
Ника Брук – сопрано
Аркадий Аптекарь – скрипка
Илья Жорницкий – аккордеон
Оркестр Камерной Оперы (Ашдодский Симфонический Оркестр )
Джазовое трио Леонида Пташки

Тель-Авив – Яффо, 4 мая 2024 года, суббота, 20:00
Центр- музыкальных искусств Яффо (ул. Шеарит Исраэль 10)
Леонид Пташка – фортепиано
Арик Давидов – труба
Тильда Реджуан – вокал
Рой Янг – вокал
София Чудновская – вокал
Ансамбль Dr Jazz Dixieland Band
Итай Скотельский – танцовщик степ, ударные, стиральная доска
Джазовое трио Леонида Пташки

Хайфа, – 25 мая 2024 ,суббота, 12:00
Церковь Святого Иоанна (ул. Хури, 30, Вади Ниснас)
Леонид Пташка – фортепиано
Рой Янг – вокал
София Чудновская – вокал
Зажигательный танец степ и нью-орлеанский свинг
Ансамбль Dr Jazz Dixieland Band
Итай Скотельский – танцовщик степ, ударные, стиральная доска
Джазовое трио Леонида Пташки

Заказ билетов: pearl-music.co.il
или https://best.kassa.co.il/announce/77879
Страницы в фейсбуке – Redirecting...
https://www.facebook.com/events/818240380318779/
Redirecting...

Все фотографии предоставлены компанией «Жемчужины музыки»

«Гершвин – Революционная версия» от «Революционного оркестра»
2024-02-17 23:54 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото - Йоси Цвекер

Этот концерт – музыкальное торжество в трех действиях из произведений Гершвина. Каждое действие - взгляд на творчество Гершвина одного из трех известнейших израильских музыкантов. И, в то же время, это безусловная перекличка с шедеврами и известнейшими песнями еврейско-американского композитора Джорджа Гершвина. Для концерта «Гершвин – Революционная версия» были созданы авторские композиции и особые аранжировки сочинений Гершвина. Созданы одними из самых ярких выдающихся израильских композиторов и исполнителей, также хорошо известных и за рубежом: Майя Бельзицман (виолончель, вокал), Йонатан Альбалак (электрогитара и вокал) и Гай Минтус ( фортепиано и вокал).

«Революционный Оркестр» под художественным руководством Зоара Шарона и Рои Оппенгейма представляет премьеру программы «Гершвин – революционная версия». Эта программа - дань творчеству Гершвина в трех действиях, трех актах: каждый акт представляет уникальный художественный взгляд одного из израильских композиторов, которые отталкиваются в своей музыке от самых известных произведений Джорджа Гершвина, одного из самых значимых композиторов в области популярной и классической музыки Соединенных Штатов своего времени, чье творчество оставило след в музыкальном мире США в частности и в мире в целом в веке 20-м , да и в 21-м тоже.

Этот концерт – музыкальное торжество в трех действиях из произведений Гершвина. Каждое действие - взгляд одного из трех известнейших израильских музыкантов на творчество Гершвина. И, в то же время, это безусловная перекличка с шедеврами и известнейшими песнями еврейско-американского композитора Джорджа Гершвина.
Для концерта «Гершвин – Революционная версия» были созданы авторские композиции и особые аранжировки сочинений Гершвина. Созданы одними из самых ярких выдающихся израильских композиторов и исполнителей, также хорошо известных за рубежом: Майя Бельзицман (виолончель, вокал), Йонатан Эльбалак (электрогитара и вокал) и Гай Минтус (фортепиано и вокал).

Гершвин, скончавшийся в возрасте всего 39 лет, сочинял популярную музыку всех жанров: от песен до музыки для мюзиклов и фильмов, став одним из главных фигур в создании «Великого американского песенника», то есть, тех запоминающихся музыкальных пьес, которые на протяжении многих лет и исполнялись, и аранжировались - и большинство из них были джазовые стандарты. Но Гершвин также сочинял и классическую музыку, оркестровые произведения и даже оперы («Порги и Бесс»). Не имея теоретического музыкального образования, он, тем не менее, ухитрился разработать свой неповторимый стиль, основанный на классической традиции, а также на популярной американской музыке - такой как регтайм, джаз, блюз, оперетты Гилберта и Салливана и даже на клезмерской музыке.
Гершвин создал ряд прецедентов в истории музыки: он первым объединил популярную и классическую музыку в «классическом» концертном произведении - в «Рапсодии в стиле блюз» (1927). Он был первый, кто получил Пулитцеровскую премию за написание мюзикла («О тебе я пою») в 1931 году. Он также первым сочинил оригинальную американскую оперу («Порги и Бесс»), в которой не только шла речь об афроамериканцах, но и весь состав певцов был афроамериканцами. Оркестровка его «Американца в Париже», где в качестве инструментов используются автомобильные гудки, вдохновила его последователей на создание современных принципов оркестровки.

«Гершвин cтал для нас образцом вдохновения для творчества и для работы в «Революционном оркестре» - говорят Зоар Шарон и Рои Оппенгейм, добавляя: «Гершвин знал, как соблюсти баланс между традиционным - концертным и классическим - и современным, джазовым и популярным, между композицией и исполнением, оставаясь при этом инновационным и революционным. Эти же качества свойственны тем трем профессионалам в музыке - трем авторам-исполнителям, музыкантам-композиторам, приглашенными нами для работ над этой программой, в центре которой три великих и столь узнаваемых произведения Гершвина: «Рапсодия в стиле блюз», «Порги и Бесс» и «I Got Rhythm».

Рои Оппенгейм - доктор философии и педагогики Еврейского университета в Иерусалиме, также получивший степень магистра по дирижированию в Иерусалимской академии музыки и танца. С 2013 года он был музыкальным руководителем и домашним дирижером Хайфского симфонического оркестра, одним из основателей и художественным руководителем «Революционного оркестра», музыкальным руководителем и дирижером серий «Классический рок» и «Революция» в Израильской опере. Изучал композицию у профессора Ицхака Садая и дирижирование у профессора Менди Родана.
Рои – победитель конкурса дирижеров имени Рикардо Мути (2004). Выступал в качестве дирижера с Израильским филармоническим оркестром, Хайфским симфоническим оркестром, Симфоническим оркестром Ришон ле-Циона, Иерусалимской «Камератой», «Симфонет Беэр-Шевы», Тель-Авивским камерным оркестром, с «Симфонет Раанана» и другими.
Рои Оппенгейм преподает в Еврейском университете, Тель-Авивском университете и Технионе в области философии музыки, эстетики и философии образования. Он – выпускник программы Гофмана Еврейского университета по лидерству и социальной ответственности для выдающихся докторантов. Во время военной службы в качестве резервиста Рои выполняет обязанности командира воздушно-десантного патрульного подразделения.

Зоар Шарон - композитор и художественный руководитель «Революционного Оркестра».
Композитор, музыкальный продюсер и педагог. Соучредитель и художественный руководитель оркестра «Революция», а также штатный композитор оркестра с момента его основания и преподаватель Иерусалимской академии музыки и танца и Музыкальной школы «Римон». Лауреат премии премьер-министра 2012 года в области композиции. Композитор и аранжировщик для различных ансамблей в широком спектре стилей.

Композиции, которые прозвучат в программе «Гершвин – Революционная версия»
(Эстер Рада, Майя Бельзицман, Йонатан Альбалак и Гай Минтус):
The man I love
They can’t take that away from me
Fascinating rhythm
It ain’t necessarily so
Let’s call the whole thing off
Summertime
A woman is a sometime thing
My man’s gone now

«Революционный оркестр». «Гершвин – Революционная версия»
Дирижер: Рои Оппенгейм
Виолончель и вокал: Майя Бельзицман
Электрогитара, электроника и вокал: Йонатан Альбалак
Фортепиано и голос: Гай Минтус
Приглашенная певица: Эстер Рада
Художник по свету: Офир Бен-Хаим
Звукорежиссер: Уэлл Котлер

Художественные руководители: Зоар Шарон и Рои Оппенгейм.
Продюсер: Даниэль Ринг

Даты представлений:
03.03.2024 | Воскресенье | 18:00, 21:00 | Герцлия
06.03.2024 | Среда | 17:00 и 20:00 | Оперный театр имени Шломо Лахата, Тель-Авив
25.03.2024 | Понедельник | 20:30 | Хайфа

Билеты в «Браво»: Джордж Гершвин и Оркестр Маапеха

Линк на видео:
https :// www . youtube . com / watch ? v = eGGWgi 3 e 3 g 0

[embed]https://www.youtube.com/watch?v=eGGWgi3e3g0[/embed]

Автор текста: Маша Хинич. Фото – Йоси Цвекер

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Зубин Мета и сопрано Зарина Абаева в Тель-Авиве
2024-02-14 23:54 @taniatom Tania Tomer

Зубин Мета возвращается!

Всемирно известный дирижер Зубин Мета и сопрано Зарина Абаева выступят вместе с Израильским филармоническим оркестром 21, 24 и 26 февраля в Тель-Авиве, 22 февраля – в Хайфе

Первую часть программы концерта составят фрагменты из опер Верди.

Джузеппе Верди – автор множества опер, затрагивающих острые социальные и политические проблемы своего времени, все они посвящены человеку – его природе, его сложным отношениям, его судьбе.

Опера «Сила судьбы» («La forza del destino») повествует о трагичной истории трех персонажей, чьи жизни неразрывно связаны друг с другом, и о том, как рок ведет их к горькому и неизбежному концу. Увертюра к опере «Сила судьбы» очень драматична; в ней используются фрагменты из арий следующих за нею действий, а также короткая гневная мелодия, порой называемая мотивом «судьбы». Фактически, эта увертюра – настоящий пролог греческой трагедии и содержит концептуальную и музыкальную суть всей оперы. Также, в первом отделении концерта прозвучат ария Леоноры «Мира, мира, мой Боже!» («Pace, pace, mio Dio!”) из оперы «Сила судьбы», сцена и романс Аиды «О родина моя!» («O partia mia!»), и ария «С победой возвратись!» («Ritorna vincitor»), из одноимённой оперы. Молитвенная ария влюбленной и страдающей Королевы Елизаветы «Ты, познавший всю суетность» («Tu che le vanità»), из финального акта оперы «Дон Карлос» («Don Carlo»), где Верди исследует широкий спектр вокального выражения эмоций – завершит первую часть программы.

Во второй части программы будет исполнена Симфония No7 Дворжака. Родиной Дворжака была Чехия, где он и обрел свой звездный статус, в том числе, благодаря своему патриотизму. Любовь Дворжака к родине присутствовала почти в каждом его произведении: будь то чешская сюита или словенские танцы, или народные мелодии, тонко интегрированные в симфонические произведения, родина была частью художественного языка Дворжака. Но когда он начал писать Седьмую симфонию, целью Дворжака было покорить весь мир, а не только Чехию. Он сознательно дистанцировался от характерного для него стиля и сосредоточился на многослойной и сложной оркестровке, а также на создании архитектурной и тщательно продуманной музыкальной структуры. Настроение этой симфонии также отличается от других его произведений, она более драматична и экспрессивна.

Дворжак исполнил свою мечту. «Седьмая» сразу же вошла в пантеон вместе с другими великими симфониями и помогла Дворжаку утвердиться в статусе одного из величайших симфонических композиторов романтизма.

Дирижер Зубин Мета родился в Бомбее, в Индии и вырос в музыкальной среде. Его отец, Мехли Мета, основал Бомбейский симфонический оркестр и был музыкальным руководителем Американского молодежного оркестра в Лос-Анджелесе. Несмотря на музыкальное влияние, первым местом учебы Меты стал медицинский факультет, но в восемнадцать лет он оставил это поприще и начал учиться в Музыкальной академии в Вене. Семь лет спустя он дирижировал оркестрами Венской филармонии и Берлинской филармонии. Вскоре он стал одним из самых востребованных дирижеров мира. Зубин Мета был музыкальным руководителем Монреальского симфонического оркестра (1961–67), музыкальным руководителем Филармонии Лос-Анджелеса (1962–78), музыкальным руководителем Нью-Йоркской филармонии (1978–91) и музыкальным руководителем Баварской государственной оперы в Мюнхен, Германия (1998-2006). Израильская филармония назначила его музыкальным консультантом в 1969 году и музыкальным руководителем в 1977 году, а в 1981 году продлила его пребывание на этой должности до конца жизни. В октябре 2019 года, на исходе пятидесяти лет работы, он покинул оркестр и стал почетным музыкальным руководителем. Маэстро Мета дирижировал Израильской филармонией на тысячах концертов, записей и туров по пяти континентам. Он также был музыкальным консультантом и главным дирижером Maggio Musicale во Флоренции, Италия (1985–2017), а в 2006 году был назначен пожизненным почетным дирижером этого оркестра. Зубин Мета получил множество почетных степеней. В Израиле он был удостоен почетных докторских степеней Еврейского университета в Иерусалиме, Тель-Авивского университета и Института науки Вайцмана, а Еврейский университет даже назвал крыло факультета музыковедения в его честь и в честь его покойного отца, дирижера. В 2006 году в Германии и Израиле вышла автобиография Зубина Меты «Партитуры моей жизни – воспоминания». Зубин Мета неустанно поддерживает открытие и продвижение музыкальных талантов по всему миру. Вместе со своим братом Зарином он возглавляет Музыкальный фонд Мехли Меты в Бомбее, где более 200 детей получают западное музыкальное образование.

По мнению критиков, лирико-драматическое сопрано Зарина Абаева – одна из самых выдающихся артисток своего поколения.

С 2012 года – солистка Пермского театра оперы и балета, с 2019 года – приглашенная солистка Московского театра Новая Опера. В 2019 году она получила признание критиков за триумфальное исполнение партии сопрано в «Реквиеме» Верди с оркестром MusicAeterna под руководством Теодора Курентзиса. Она выступала на таких площадках, как Парижская филармония, Эльбская филармония в Гамбурге, Концертхаус в Вене, Кельнская филармония. В том же году Зарину пригласили на Люцернский фестиваль и фестиваль в Экс-ан-Провансе. Позже она блестяще выступала с Берлинским филармоническим оркестром в Берлине и дебютировала в Нью-Йорке и Токио.

Среди ярких постановок с Зариной Абаевой — «Жанна д’Арк в Бушере» Онеггера (в роли Девы Марии), «Ромео» Кастеллуччи, «Богема» Пуччини (в роли Мими) в постановке Филиппа Химмельмана в Баден-Бадене. Она выступала под музыкальным руководством таких выдающихся дирижеров, как Теодор Курентзис, Михаил Плетнев, Антонио Пиролли, Павел Коган, Валентин Урюпин, Андрес Мустонен, Митиёси Иноуэ, Дэниел Орен, Грэм Дженкинс.

В репертуаре Зарины такие партии, как партия Баттерфляй («Мадам Баттерфляй»), Мими («Богема»), Аида («Аида»), Дездемона («Отелло»), Микаэла («Кармен»), Татьяна («Евгений Онегин»), Иоланта («Иоланта»), Мария («Мазепа»), Агнесса. Сорель (Орлеанская дева), Дева Мария («Жанна д’Арк в Бушере»), Бланш («Диалоги кармелиток»), Горислава («Руслан и Людмила»), Нинетта («Любовь к трем апельсинам»), Наташа («Русалка»), Антония («Сказки Гофмана»), Сопрано в «Реквиеме» Верди, Сопрано в Stabat mater Россини, Сопрано в «Te Deum» Брукнера, Сопрано в Симфонии № 14 по Шостаковичу.

Весной 2023 года с большим успехом дебютировала в роли Дездемоны в опере «Отелло» в Флорентийской опере Maggio Musicale Fiorentino под руководством маэстро Зубина Меты.

Заказ билетов: זובין מהטה מנצח | הפילהרמונית הישראלית (ipo.co.il)

«День рождения Мендельсона»
2024-02-14 01:05 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

«* Это Моцарт девятнадцатого столетия, самый светлый музыкальный талант, который яснее всех постигает противоречия эпохи и лучше всех примиряет их»
Роберт Шуман

День рождения Феликса Мендельсона (1809- 1847), выдающегося немецкого композитора эпохи романтизма, которого Шуман называл за светлый и жизнерадостный характер музыки «Моцартом XIX века», приходится на 3 февраля. В честь этого события Израильский Камерный Оркестр посвящает всю программу ближайшего концерта 22 февраля его произведениям.

«День рождения Мендельсона»
Дирижер: Роберто Форес Весес (Испания-Франция)
Пианисты: Сиван Сильвер и Гиль Гарбург (Израиль-Германия)
В программе: Увертюра «Die Heimkehr aus der Fremde» («Возвращение с чужбины»), соч. 89
Интермеццо и ноктюрн из оркестровой сюиты «Сон в летнюю ночь», соч.61
Концерт для двух фортепиано с оркестром ми мажор
Симфония № 4 ля мажор, соч. 90, «Итальянская»

В четверг 22 февраля в зале «Реканати» Тель-Авивского музея искусств в исполнении Израильского Камерного Оркестра прозвучит музыка, олицетворяющая величие Феликса Мендельсона, и каждое произведение будет исполнено с любовью и преданностью его творчеству. Концерт камерной музыки, озаглавленный «День рождения Мендельсона», станет не только трибьютом великому композитору, но и музыкальным путеводителем, переносящим слушателей в мир его музыки.

Роберто Форес Весес. Photo ©Jean-Baptiste Millot

Дирижер концерта - Роберто Форес Весес (Испания, Франция) - один из самых востребованных дирижеров в мире, сотрудничающий с лучшими оперными и симфоническими коллективами Италии, Франции, Швеции, Испании и много гастролирующий по всему миру в качестве приглашенного дирижера.
В свое время Роберто Форес Весес получил замечательный отзыв от издания Olyrix: «В музыкальном управлении оркестром Роберто Фореса Весеса можно отметить экспрессивную манеру дирижирования, внимание и чувствительность к певцам, итальянский стиль: руки и глаза подняты вверх; кажется, что он дирижирует наизусть, легко, в то же время задавая энергичные темпы, всегда вперед».
Роберто Форес Весес родился в Валенсии. Учился оркестровому дирижированию в Музыкальной академии Пескары (Италия) и Академии имени Сибелиуса в Хельсинки у Лейфа Сегерстама. В 2006 году стал победителем Международного дирижерского конкурса в Орвието (Италия), где был также удостоен специального приза жюри. В 2007 году стал лауреатом Международного конкурса дирижеров имени Светланова в Люксембурге, после чего получил предложения выступить в Большом театре, Королевском театре Турина, Опере Ниццы, с Национальным оркестром Монпелье, Миланским симфоническим оркестром имени Дж. Верди, Резиденц-оркестром Гааги и Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия». Позднее Роберто Форес Весес дирижировал многими симфоническими коллективами, среди которых: Национальный оркестр Лиона, Филармонический оркестр Люксембурга, Пражский филармонический оркестр, Оркестр Испанского радио, оркестры Пикардии, Оперы Руана и Оперы Сент-Этьена (Франция) и другие. В 2008 году он дебютировал в Королевском театре Турина (Италия) и в Большом театре. В последующие годы он дирижировал операми в Опере Руана. С 2012 года Роберто Форес Весес - главный дирижер и художественный руководитель Оркестра Оверни (Франция). Среди его ангажементов: выступления на фестивалях «Безумные дни» в Нанте (Франция) и Японии, в Абердине (Шотландия), Orchestre en Fête в Париже, концерты с Камерным оркестром Парижа, Оркестром Парижской оперы и с другими оркестрами.

Sivan Silver & Gil Galburg. Photo © Neda Navaee

Сиван Сильвер и Гиль Гарбург - пара в жизни и на сцене - говорят: «В фортепианном дуэте легко виртуозно создавать эффекты. Но одного этого слишком мало. Мы хотим эмоционально тронуть наших слушателей и передать суть музыки». Этот фортепианный дуэт существует с 1997 года, когда музыканты решили стать дуэтом, хотя каждый из них к тому времени уже сделал сольную карьеру. И этот дуэт не просто так расхвален критиками и любим публикой – доказательство тому то, что их часто приглашают выступают с известными оркестрами, в том числе с Израильским филармоническим оркестром, Мельбурнским симфоническим оркестром и Немецкой камерной филармонией, на ведущие фестивали и сольные концерты в престижных залах, включая Карнеги и Линкольн-центр в Нью-Йорке, Сиднейский оперный театр, Берлинскую филармонию - в 70 стран на пяти континентах.
Также хорошо известны записи в 4 руки для двух фортепиано, которые называют от «необычайно трогательных» до «блестящих», что неудивительно, поскольку игра этого дуэта – это чувственный, цельный и волшебный диалог. Чем больше дуэт играет вместе, тем больше растет и становится свободнее.
В 2014 году Сиван Сильвер и Гиль Гарбург получили приглашение занять профессорскую кафедру Университета искусств в австрийском Граце - одну из немногих профессорских кафедр по этой специальности, существующих в мире. Приглашение было сделано единогласно, несмотря на наличие очень сильной конкуренции со стороны других известных фортепианных дуэтов. До этого Сильвер и Гарбург, лауреаты многочисленных конкурсов, преподавали в Ганноверской высшей школе музыки, которую недаром называют немецкой кузницей пианистов. Здесь же, у Арье Варди, они в своё время учились и сами.
В обширном репертуаре фортепианного дуэта Сильвер-Гарбург есть произведения, посвященные лично им, например Harmonic Sound Image for Sivan and Gil Серджиу Натра, сочинение Марчелло Аббадо Carillon, чья тема составлена из букв имен Сиван и Гиля, и также Концерт для двух фортепиано и оркестра композитора Одеда Захави.
Дуэт выпустил несколько компакт-дисков с записями Моцарта, Шуберта, Дебюсси, Мендельсона, Натра.
Сиван Сильвер и Гиль Гарбург живут в Израиле и Германии, регулярно выступают в Израиле и Европе как солисты и как дуэт. В апреле 1999 года состоялся их американский дебют в Карнеги-Холле в Нью-Йорке, и с того времени их ежегодно приглашают гастролировать по США и Канаде. Среди многочисленных поездок стоит отметить 73-дневное турне по странам мира в июне 2002 года, во время которого музыканты дебютировали в Южной Америке, Австралии и на Дальнем Востоке. На сей раз дуэт «Сильвер-Гарбург», покоривший многие страны и континенты, играет с Израильским Камерным Оркестром в Тель-Авиве.

Увертюра «Die Heimkehr aus der Fremde» («Возвращение с чужбины»), соч. 89
Увертюра к одноактному зингшпилю (лидершпилю), комедии в одном действии, «Die Heimkehr aus der Fremde» («Возвращение с чужбины»), соч. 89
на либретто Карла Клингеманна впервые прозвучала на публике в декабре 1829 г. Мендельсон сочинил ее на слова своего друга Карла Клингеманна в 1829 году, когда тот находился в Уэльсе в Англии во время визита на Британские острова в честь предстоящей серебряной свадьбы своих родителей. Действительно, эта увертюра была исполнена у них дома в конце декабря, все партии играли члены семьи. Произведение было опубликовано только после смерти композитора и считалось произведением для домашнего музицирования. Первые публичные исполнения состоялись лишь в 1851 году.

Интермеццо и ноктюрн из оркестровой сюиты «Сон в летнюю ночь», соч.61
В начале XIX века пьесы Шекспира были переведены на немецкий язык немецкими поэтами Шлегелем и Тиком, что сразу сделало их немецким культурным достоянием. Но в семье Мендельсона пьесы Шекспира были известны еще раньше - по переводам, сделанным его дедом Моше Мендельсоном. «Сон в летнюю ночь» семья Мендельсон даже разыгрывала у себя дома. Когда Мендельсону было 17 лет, он получил новый перевод и выразил свои впечатления в музыке, исполнив ее дома со своей сестрой Фанни на фортепиано в четыре руки в ноябре 1826 года, а позже оркестровав. Премьера прошла в феврале следующего года в Штеттине под управлением известного композитора Карла Лёве (вместе с премьерой в этом городе Девятой симфонии Бетховена). А сам автор впервые дирижировал ею в Лондоне в июне 1829 года.
17 лет спустя после написания увертюры Мендельсон - прославленный композитор, пианист и дирижер, руководитель симфонических концертов Королевской капеллы и хора Домского собора в Берлине - вновь обратился к пьесе «Сон в летнюю ночь». Комедия Шекспира ставилась к дню рождения прусского короля Фридриха-Вильгельма IV: премьера спектакля состоялась в октябре 1843 года в театральном зале Нового дворца в Потсдаме, а 4 дня спустя - в Шаушпильхаузе в Берлине. Успех был огромным - именно благодаря Мендельсону. Никогда еще музыка не способствовала в такой степени популярности шекспировской пьесы, о чем высокородный, но отнюдь не высокоумный заказчик-король во время ужина после премьеры, на который был приглашен композитор, высказался так: «Жаль, что ваша прелестная музыка даром растрачена на такую глупую пьесу».
Свое раннее сочинение Мендельсон использовал в качестве увертюры, добавив к ней еще 14 отрывков. Интермеццо появляется между вторым и третьим актом, а ноктюрн - перед свадебным маршем.

Концерт для двух фортепиано с оркестром ми мажор
Мендельсон был вундеркиндом. О нем говорили, что его гений превосходил гений Моцарта в его возрасте. Концерт для двух фортепиано был написан в 1823 году, когда ему было всего 14 лет. Премьера была сыграна Феликсом Мендельсоном и его сестрой Фанни, которая была прекрасной пианисткой, на домашнем концерте в ноябре 1824 года в честь 19-летия Фанни. Концерт написан по образцу концерта Моцарта для двух фортепиано, который также был написан для Моцарта и его сестры. На первом публичном выступлении, состоявшемся в Лондоне в июле 1829 года, Мендельсон играл с Игнацем Мошелесом, одним из величайших пианистов того периода, дал ему несколько уроков игры на фортепиано в 1824 году. Вслед за этим Мошелес писал о Мендельсоне: «Сегодня днем ​​я дал Феликсу Мендельсону первый урок музыки. Ни на мгновение от меня не ускользнул тот факт, что я сидел рядом с великим художником, а не с учеником». И еще: «Феликс, 15-летний мальчик, - это феномен. Что все вундеркинды по сравнению с ним? Талантливые дети и ничего больше. Он уже зрелый артист, хотя ему всего 15 лет. Мы сразу оба сели за рояль на несколько часов, потому что мне нужно было понять, как он играет, и услышать его произведения. Все произведения гениальны и в то же время правильны и точны».
Концерт не был опубликован при жизни Мендельсона. Рукопись хранилась в городской библиотеке Берлина среди 50 томов юношеских произведений Мендельсона, пока ее не нашли в 1950-х годах, через 130 лет после ее написания.

Симфония № 4 ля мажор, соч. 90, «Итальянская»
В октябре 1830 года Мендельсон отправился в долгое путешествие по Италии. В феврале 1831 года он писал своей сестре Фанни: «Я снова начал сочинять с новой силой, и «Итальянская» симфония быстро развивается; это будет самое счастливое произведение, которое я когда-либо писал, особенно последняя часть». В октябре 1831 года он вернулся на родину, но симфония была закончена только в ноябре 1832 года. Об успехе концерта, состоявшегося в мае 1833 года, Мошелес писал: «Необыкновенный успех концерта: Мендельсон дирижировал своей великолепной Симфонией и получил восторженные овации». Несмотря на это, Мендельсон продолжал вносить изменения в партитуру и запретил исполнение произведения в Германии при его жизни. Сегодня «Итальянская» симфония - одно из самых популярных его произведений.

---

Израильский Камерный Оркестр
«День рождения Мендельсона»
Дирижер: Роберто Форес Весес (Испания-Франция)
Пианисты: Сиван Сильвер и Гиль Гарбург (Израиль-Германия)
В программе: Увертюра «Die Heimkehr aus der Fremde» («Возвращение с чужбины»), соч. 89
Интермеццо и ноктюрн из оркестровой сюиты «Сон в летнюю ночь», соч.61
Концерт для двух фортепиано с оркестром ми мажор
Симфония № 4 ля мажор, соч. 90, «Итальянская»
Тель-Авивский музей искусств, 22.02.2024, четверг, 20:00
Билеты: https://www.ico.co.il/show/2042 или по телефону 03-5188845
Сайт оркестра: https://www.ico.co.il
Страница в фейсбуке: Israel Chamber Orchestra התזמורת הקאמרית הישראלית | Tel Aviv
Видео: https://www.youtube.com/watch?v=1LVWAk6XY_U&t=2s

Photo: © Jean-Baptiste Millot, © Neda Navaee

КОНЦЕРТЫ«Евангелие от Монти Пайтона» для оркестра, хора и… мертвого попугая
2024-02-12 21:12 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Фото – © Moshe Chitayat

Что получится, если смешать на одной сцене оркестр, хор, cвятую мессу и клипы культовой легендарной британской комической группы «Монти Пайтон»? «Евангелие от Монти Пайтона». Именно так и называется новое оригинальное музыкальное шоу знаменитого «Революционного оркестра».
«Евангелие от Монти Пайтона» для оркестра, хора, артистов и… мертвого попугая придумали руководители «Революционного оркестра» Зоар Шарон и Рои Оппенгейм.
Премьера этого уникального представления состоялась при полном аншлаге на сцене Оперного театра Тель-Авива 11 февраля, а следующие представления состоятся в марте и апреле 2024 года.

The Revolution Orchestra Monty Python. Photo – © Moshe Chitayat

Кто такие «питоны» из «Монти Пайтон» знают, наверное, все. А кто такие революционеры из «Революционного оркестра» («Тизморет ха-Маапеха»)? Напоминаем: «Революционный оркестр» (художественные руководители оркестра – Зоар Шарон и Рои Оппенгейм) сочетает в своей манере исполнения уважение к традиции, к привычкам звенящего джаза, к чувствам, но придумывает новые аранжировки, редакции в электронном стиле и переложения именно для своего оркестрового состава, в котором сочетаются как акустические, так и электронные инструменты. «Революционный оркестр» – это своего рода лаборатория по исследованию, в первую очередь, израильской музыки, и по новому сценическому претворению музыки; это творческий поиск и оригинальные аранжировки. Музыканты оркестра играют как на акустических, так и на электронных инструментах. Ежегодно «Революционный оркестр», созданный в 2004-м году из молодых музыкантов, студентов музыкальных Академий, школьников и солдат-музыкантов, придумывает новые проекты, концепция которых основана именно на изучении израильской музыки и на сочетании акустического и электронного звучания, на одновременном использовании музыкальных инструментов из различных областей приложения музыки. А еще, «революционная» идея «Революционного оркестра» состоит в том, что молодые музыканты играют для своих сверстников на понятном и принятом у них музыкальном языке – от рока до хип-хопа с израильской классикой и джазом между этим двумя точками, используя анимацию и мультимедиа в своих выступлениях. За последнее десятилетие «Революционному оркестру» действительно удалось совершить небольшую (но громкую) музыкальную революцию благодаря новому формату выступлений. Оркестр постоянно играет на различных фестивалях в Израиле и работает с выдающими музыкантами израильской сцены.
Так что, если вам интересно увидеть искусство и услышать музыку, исполненную в другой и заставляющей задуматься манере – этот оркестр для вас. И дух этого оркестра – ироничный, абсурдный, саркастический, неизменно острый – точно соответствует духу «Монти Пайтон».

The Revolution Orchestra Monty Python. Photo – © Moshe Chitayat

Группу «Монти Пайтон» (Monty Python) называют The Beatles в комедии, настолько велико оказанное ею влияние, в особенности на британскую комик- и поп-культуру. «Монти Пайтон» — это шесть человек: четверо – Джон Клиз, Терри Гиллиам, Эрик Айдл и Майкл Пэйлин – еще живы, Грэм Чепмен и Терри Джонс скончались. Пять членов «Пайтона» – выпускники самых престижных британских вузов.
История «Монти Пайтона» началась 5 октября 1969 года с нового цикла юмористических комедийных шоу в эфире телевидения Би-би-си. «Летающий цирк» был неизменным главным хитом английского телевидения в течение пяти лет.
Одновременно «питоны» начали снимать художественные фильмы, которые, и составляют основу всемирной популярности группы. Были и театральные спектакли, был специальный мюзикл, была даже собственная пародийная рок-группа.
Группа «Монти Пайтон» превратилась не просто в символ английского юмора, но и в квинтэссенцию современной английской культуры.
Влияние «Монти Пайтон» переоценить невозможно. Они вошли не только в историю культуры, но даже и в язык: в английском языке прижилось слово «pythonesque» – «питоновский», «по-питоновски». Прижилось в немалой степени благодаря саркастичному Клизу, который, отвечая как-то на вопрос о непреходящей популярности «питонов», заявил: «Питоны» выжили, потому что мир, в котором мы живем, становится все более и более «питоновским». Крайняя глупость царит в нем сегодня больше, чем когда бы то ни было».

The Revolution Orchestra Monty Python. Photo – © Moshe Chitayat

«Евангелие от Монти Пайтона» – это музыкальный спектакль с участием «Революционного оркестра» под руководством Рои Оппенгейма, актера Бена Перри (из ансамбля «Ципорела»), вокального ансамбля «Моран» и детского хора «Моран».
«Это шоу создавалось в течение последнего полугода на основе богатого архива «Монти Пайтон» – тех, кто нас смешил и влиял на нас на протяжении многих лет, кто неоднократно нарушал правила, менял установки мира комедии и установил новые стандарты смертельной чепухи», – говорят Зоар Шарон и Рои Оппенгейм, и добавляют: «Мы подготовили знаковые скетчи, блестящие анимационные фрагменты и безумные песни из передачи «Летающий цирк» и фильмов «А теперь нечто совсем другое», «Смысл жизни по Монти Пайтону», «Монти Пайтон и Священный Грааль» и «Житие Брайана по Монти Пайтону». Все это стало для нас основой для создания оригинальных произведений и аранжировок для оркестра, хора и актера. Видео переплетается с живой игрой и исполнением оркестра и хора, в новом музыкальном цирке в формате Re:play. Мы благодарны команде Monty Python, которая выразила нам доверие и позволила нам вырезать, редактировать, играть и развлекаться в свое удовольствие с множеством замечательных материалов».

---

«Евангелие от Монти Пайтона»
Открытие сезона «Революционного оркестра» прошло в Оперном театре Тель-Авива при полном аншлаге 11 февраля 2024.
Представления «Революционного оркестра» с программой «Евангелие от Монти Пайтона» состоятся:
23 марта, в субботу, в Центре Сценических искусств в Герцлии в 18:00 и в 21:00
18 апреля, в четверг, в 20:30, в зале «Раппопорт» в Хайфе
20 апреля, в субботу, в 17.00 и в 20.00 в Оперном Театре Тель-Авива
Билеты в кассах залов, а также в «Браво»: Послание Монти Пайтона — Оркестр Маапеха

Дирижер: Рои Оппенгейм | Актер: Бен Перри | При участии ансамбля «Моран» – дирижер Том Карни и Детского хора «Моран» – дирижер Кармель Антопольски. Художественный руководитель – Наоми Фаран
Композитор, аранжировщик и видеоредактор: Зоар Шарон | Драматургия и сценарий: Итай Звулун | Режиссеры: Итай Звулун и Рои Оппенгейм
Помощник Режиссер и директор шоу: Нофар Левингер | Художник видеоарта: Орен Габай | Художник по свету: Надав Барнеа |
Художник по костюмам и аксессуарам: Яэль Скидельски | Предметный дизайн: Зоар Шоаф | Звукорежиссер: Михаэль Эмет

Особая благодарность: Мики Ройтману, Йонатану Гату

Шоу идет на английском языке с субтитрами на иврите.
Продолжительность: 90 минут.
Спонсируется Дити и Алексом Ландсбергом – фирма «Сано»
С разрешения: Python (Monty) Pictures Limited

Автор текста: Маша Хинич. Фото – © Moshe Chitayat

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Music in 3D – «Диалоги в музыке»
2024-02-11 17:46 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Слушать, чувствовать и понимать – это цель вечеров-диалогов. Музыка и театр музыка и математика, музыка и философия, музыка и психология. И первый вечер серии диалогов – «Музыка и литература». И еще это диалог публики с писательницей, поэтессой и врачом Еленой Минкиной-Тайчер в сопровождении скрипачки Жанны Гандельман и пианистки Елены Чудаковой.

Скрипачка Жанна Гандельман и музыковед и пианистка Елена Чудакова придумали серию встреч «Диалоги в музыке», и начинают эту серию с беседы о музыке и литературе – с диалога музыки и литературы, пригласив для участия в этом вечере писательницу Елену Минкину-Тайчер.
Как представить (услышать и увидеть) и как прояснить музыку в трех измерениях – Music in 3D? Music in 3D – интригующее название и не менее интригующий вечер, который называется «Диалоги в музыке». Что все это значит? Как во всем разобраться? Первым делом прийти 18 февраля в тель-авивскую студию Annete, где три представительницы трех искусств расскажут, покажут и сыграют трехмерный звук, и объяснят, почему кто-то считает музыку уделом избранных талантов, а кто-то – набором физических закономерностей.

Еще древние индийские мудрецы, считали, что музыка существует одновременно в трех измерениях. Недаром звук «Ом» – и музыкальный (вокальный), и медиативный, и ведический. Музыка, одновременно существующая в трех измерениях – наверное, этим понятием и объясняется то, что время над музыкой не властно, кажется, во всех смыслах. Музыка в трех измерениях, музыка в 3D в современных установках – это и переплетение жанров, и логические, и даже технологические выводы о том, что человек может что-то понять только в том случае, если он это может представить в трех измерениях. Любое событие, ситуация, проблема или задача может легко разрешиться, если она полностью показана в 3D – то есть явно видима для человека в трех измерениях, и только так наступает ясность – так устроено наше мышление. Поэтому сделайте для себя ясным то, что для вас стало неясным – сделайте, благодаря музыке и литературе.

В первую очередь, вечер Music in 3D будет посвящен, естественно, музыке. Но не просто исполнению музыкальных произведений, а разбору и показу того, что даже в самых коротких композициях происходит множество параллельных диалогов. Отсюда и второе название вчера «Диалоги»: диалоги между солистом и аккомпаниатором, между дирижером и оркестром, между разными инструментами и даже между разными голосами и тембрами в сольном исполнении. В масштабных оркестровых произведениях инструменты и исполнители не просто ведут диалог, но беседуют, спорят, сердятся, мирятся и перебивают друг друга, как самые настоящие собеседники.

«Там, где заканчиваются слова, начинается музыка», – говорят, играют и объясняют Елена Минкина-Тайчер, Жанна Гандельман и Елена Чудакова. Объясняют с помощью произведений Моцарта, Шуберта, Дебюсси, Крейслера, Альбениса, исследуя музыку в контексте других областей науки и искусства, таких как психология, математика, литература, философия и даже криминология. Публика, благодаря диалогам с профессионалами, открывает новые грани в музыке. И в литературе. Ведь этот вечер посвящен диалогу музыки и литературы.

Слова «Там, где заканчиваются слова, начинается музыка» приписывают Генриху Гейне. Но у писателя слова не заканчиваются… Как писательница расскажет об универсальном языке музыке, на котором легко общаться? Мы знаем, что музыка, и не только классическая, вошла в жизнь современного человека очень плотно. Мы видим людей с наушниками в ушах, и все они слушают разнообразную музыку. С помощью музыкальных эмоций можно познать мир, ответить самому себе на множество вопросов, пережить ту или иную жизненную ситуацию. Можно рассказать человеку о своих переживаниях и чувствах, даже когда нет подходящих слов. Ведь музыка – посредница между жизнью ума и жизнью чувств.

Приходите послушать разнообразную музыку, прочувствовать ее и узнать от профессионалов о музыке в трех измерениях. И, кстати, если музыканты ведут диалог с Бахом и Генделем, почему бы поэту не поговорить и даже не поспорить с Пушкиным или Бродским? «Диалог с Бродским» Елены Минкиной-Тайчер – также часть этого вечера.

Об исполнителях и авторах:
• Елена Минкина-Тайчер – врач, руководитель собственной клиники, автор шести книг прозы («Белые на фоне черного леса»;«Женщина на заданную тему»; «Там, где течет молоко и мед»; «Время обнимать»; «Эффект Ребиндера» и «Старик») и двух стихотворных сборников, один из которых называется «Беседуя с Бродским». Елена Минкина-Тайчер – номинант многих литературных премий, лауреат премии Юрия Нагибина.

• Жанна Гандельман – концертмейстер Иерусалимского Симфонического оркестра, профессор Тель-Авивской академии музыки имени Бухмана-Меты, победитель международных музыкальных конкурсов. Активно выступает как солистка и участник камерных ансамблей.

• Елена Чудакова – музыковед, пианистка, участница камерных ансамблей, ведущая концертов и лекций для широкой публики, популяризатор классической музыки для детей и взрослых.

---

Music in 3 D – «Диалоги в музыке»
Воскресенье, 18 февраля 2024, 19:30

Студия “Annete”, швиль ха-Мерец 2, Тель-Авив

Информация о мероприятии и билеты:
https://www.musicin3d.com/ru/event-details/dialogues

Страница мероприятия в фейсбуке –“Диалоги” в сопровождении скрипки и фортепиано | Facebook

Фотографии (предоставлены организаторами):
Елена Минкина-Тайчер – @Senya Alman ,
Janna Gandelman – Jan Dunken,
Елена Чудакова – Zvika Goldstein Photography צביקה גולדשטיין – צילום

«SymFunny» на бис - в Хайфе 29 февраля
2024-02-04 01:31 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхнее фото – © Denis Katkin

Проект «SymFunny» возник в Израиле в Хайфе зимой прошлого года, когда в Израиле появились десятки известных музыкантов, аранжировщиков, композиторов. Выпускники престижных школ и консерваторий Москвы, Петербурга, Одессы, Киева, ученики именитых профессоров и великих маэстро, представители всех музыкальных специальностей, направлений и школ от оперы до джаза, от духовых до ударных, «звездным нашествием» ворвались в культурную жизнь страны. Появились и придумали вместе с музыкантами Хайфского Симфонического Оркестра проект «SymFunny», цель которого очень проста – дарить людям музыку и радость. В составе ансамбля «SymFunny» – классические музыканты и джазисты, оперная певица и композитор, аранжировщик и исполнитель.

Команда «SymFunny», как и все музыканты в Израиле, последние четыре месяца участвовала во многих благотворительных концертах. Музыканты ездили по кибуцам, где живут эвакуированные беженцы с юга и севера страны, играли на улицах и даже на пляжах для поднятия морального духа израильтян, но вот пришло время дать полноценный, особенный концерт. В Хайфском «Аудиториуме» в зале «Раппопорт» в самый последний день февраля состоится необыкновенное музыкальное шоу «SymFunny на бис», программа которого составлена из ярких, виртуозных произведений, обычно исполняемых на бис музыкантами и оркестрами. Яркие сольные номера в исполнении лучших артистов Израиля. «SymFunny на бис» – это и сочетание стилей: опера, классика, джаз и даже рок. Ни минуты скуки, только хиты… Моцарт, Вивальди, Чайковский, Шопен, Гершвин, Андерсон, Пьяццолла. В этот раз добавлены и медные духовые инструменты, что позволило расширить репертуар программы и включить в нее, к примеру, «Венецианский Карнавал» Паганини в переложении для трубы, тромбона и валторны.

Фото – © Denis Katkin

Шедевры музыки сплетены в программе «SymFunny на бис» с музыкальным юмором. Великолепный оперный голос сопрано Елены Евтушенко украсит концерт, а режиссура Элины Амроминой сделает шоу незабываемым. Шоу «SymFunny на бис» – интерактивное: вы можете постоять рядом с пианистом, сделать селфи с барабанщиком и подержать на руках скрипачку или накормить виолончелиста «SymFunny на бис» – это еще много других сюрпризов. Приходите, не пожалеете!

Идея создания нового ансамбля «SymFunny» принадлежит музыканту и продюсеру Хайфского Симфонического Оркестра и Хайфского Биг-Бэнда Денису Вулю. Воодушевленный музыкальными проектами, в стиле «Комеди-Мьюзик», музыкант мечтал соединить в одном ансамбле струнные и духовые инструменты. Его первый опыт назывался «SymFunny-Brass» и начинался с квинтета медных духовых инструментов. Вместе с концертмейстером Хайфского Симфонического Оркестра Марком Тиктинером, Денис ввел струнную группу.
«Сегодня, – говорит Денис Вуль, – когда публика снова идет на концерты, а в Израиль приезжают музыканты высочайшего уровня из лучших оркестров Москвы и Санкт-Петербурга, мы возвращаемся к «SymFunny». Название построено на игре слов «симфония» и «фан», говорит само за себя. Великолепная музыка для души, релакса, развлечения. Мы хотим, чтобы вы увидели музыкантов, чаще играющих серьёзную симфоническую музыку, такими какие они есть – виртуозами, способными посмеяться на собой, зажечь, развеселить публику. «SymFunny» – это универсальный ансамбль лучших музыкантов, исполняющий виртуозно как «Времена года» Вивальди, так и современные джазовые хиты. Соединив струнный ансамбль симфонического оркестра с ритм-группой биг-бэнда, и, добавив оперное пение, мы открыли новые горизонты».

Фото – © Denis Katkin

Итак, знакомьтесь:

Сопрано Елена Евтушенко владеет всеми вокальными техниками и исполняет самые сложные классические вокальные партии. Елена родилась в Грузии. Училась в Астраханской государственной консерватории. С огромным успехом спела на сцене театра Татьяну в «Евгений Онегине» Чайковского, «Мадам Баттерфляй» Пуччини, Дездемону в «Отелло» Верди. В 2016 году, в итальянской частной академии оперного искусства «Lyrica Santa Croce» певица прошла стажировку по классу маэстро Алессандро Свабба. Затем солировала в московском камерном хоре имени Минина. В Израиль переехала в 2019. Выступает в оперных-камерных концертах по всей стране. Пела в опере «Богема» Пуччини. В роли Селестины исполнила партию «Кармен» в спектакле «Вишневый сок» Марии Тавровской в Хайфском театре, участвовала в вокальном конкурсе «Сердце Иерусалима».

Скрипач Влад Глуз – концертмейстер вторых скрипок Хайфского Симфонического Оркестра. Окончил знаменитую Петербургскую консерваторию и много лет играл в камерном оркестре «Солисты Петербурга». 22 года работал в качестве концертмейстера оркестра Михайловского театра Оперы и Балета. Регулярно участвовал в концертах хасидской музыки в Петербургской синагоге и еврейских центрах. Сыграл роль Скрипача в популярном спектакле «Скрипач на крыше» по рассказам Шолом -Алейхема в театре «Балтийский дом». Весной 2022 репатриировался в Израиль.

Скрипач Андрей Кузнецов получил высшее музыкальное образование в Московской государственной консерватории имени Чайковского. Выступал сольно и в составе камерных ансамблей в Большом зале Московской консерватории, в концертном зале имени Чайковского. Перед отъездом в Израиль работал в Национальном филармоническом оркестре России под управлением Владимира Спивакова, в составе которого, помимо гастролей в разных странах, участвовал в концерте на международном форуме Катастрофы в комплексе Яд Вашем в 2020 году.

Альтистка Анна Шестакова родилась в Москве, в семье потомственных музыкантов. Ее дед, Юрий Вениаминович Шестаков, играл в группе первых скрипок Большого Симфонического Оркестра имени Чайковского. Ее отец, Михаил Юрьевич Шестаков, продолжил династию скрипачей и 25 лет он работал концертмейстером первых скрипок оркестра. Анна закончила Московскую Государственную Консерватории имени Чайковского. На пятом курсе консерватории начала играть в Большом Симфоническом Оркестре имени Чайковского и поработала в нем 11 лет. В Израиль репатриировалась в 2021 году и сразу начала работать в Хайфском Симфоническом Оркестре. Сыграла в составе оркестра в таких оперных постановках как «Тоска» Пуччини и «Кармен» Бизе.

Скрипач Илья Вульф репатрировался в Израиль из Ташкента в декабре 2021 года, закончив там консерваторию. Он не только удачно влился в Хайфский Симфонический но и создал трио “Люмино” которое успешно выступает в Израиле.

Скрипачка Наталья Алексеева родилась в Казани. Закончив Казанскую консерваторию, переехала в Москву. Была концертмейстером 2-х скрипок в камерном оркестре имени Гнесиных. Работала как приглашенный музыкант в Московском Симфоническом Оркестре, в оркестре Кинематографии, в Симфоническом Оркестре Радио «Орфей», в Симфоническом Оркестре Московской Консерватории. Несколько лет была концертмейстером группы вторых скрипок в симфо-джаз оркестре «Фонограф». Играла в Симфоническом оркестре Санкт-Петербурга под руководством Сергея Стадлера. Работала в Китае в составе Харбинского Симфонического оркестра. Весной 2022 года репатриировались с семьей в Израиль. Продолжила музыкальную карьеру в Хайфском Симфоническом оркестре в качестве приглашенного музыканта, а затем вошла в основной состав коллектива.

Проект был бы невозможен без композитора, аранжировщика, виртуозного пианиста Хайфского Симфонического Оркестра и Хайфского Биг-Бэнда Даниэля Круглова. Он является музыкальным руководителем и аранжировщиком «SymFunny».

---

Музыкально-развлекательное шоу «SymFunny на бис»
Хайфа, Аудиториум, зал «Раппопорт», 29 февраля 2024 года, четверг, 20:00
Участники: «SymFunny на бис»:
Скрипки – Марк Тиктинер, Влад Глуз, Илья Вульф, Наталья Алексеева, Андрей Кузнецов
Альты – Мария Нелюбина, Анна Шестакова
Виолончели – Игорь Танкевич, Мила Елина
Контрабас – Кирилл Соболев.
Ударные – Стас Зильберман
Труба – Михаил Головин
Валторна – Александр Болдырь
Фортепиано и аранжировки – Даниэль Круглов
Сопрано – Елена Евтушенко
Тромбон – Денис Вуль
Режиссёр – Элина Амромина

В программе: Опера и джаз | Классика и Еврейские мелодии | Вальсы и Рок-композиции
Продюсер и создатель проекта «SymFunny на бис» – Денис Вуль, концертмейстер группы тромбонов Хайфского Симфонического Оркестра, продюсер Хайфского Биг-Бэнда.
Группа струнных инструментов из состава Хайфского Симфонического Оркестра.
Ритм группа Хайфского Биг-Бэнда

Заказ билетов в кассах: «Этос» https://bit.ly/3Hw78zl
«Браво» >>https://2.kassa.co.il/announce/SymFunny
или по телефону *9300

Фотографии (© Юлия Вендленд , Denis Katkin) – предоставлены проектом « SymFunny на бис »

HER-STORY – Клара Шуман, Эмили Майер, Гражина Бацевич
2024-02-03 23:31 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Произведения трех женщин – композиторов-романтиков в новой программе Израильского Камерного Оркестра

Израильский Камерный Оркестр | Дирижер: Йонатан Шпандорф | Солистка: Дорель Голан – фортепиано
7-8 февраля, среда-четверг, Тель-Авивский музей искусства, зал «Реканатти», 20:00
В программе:
Гражина Бацевич (1909 – 1969). Концерт для струнного оркестра.
Клара Вик-Шуман(1819 – 1896). Концерт для фортепиано с оркестром ля минор (опус 7)
Эмилия Майер (1812 – 1883). Симфония № 1 до минор

Необычный концерт пройдет уже на этой неделе в Тель-Авивском музее искусств. На сей раз Израильский Камерный Оркестр предлагает чисто «женскую» программу, названую «Ее история» – «Her-Story».
Her-Story – это не просто красивое название, а термин Herstory, появившийся в 1950-е годы в нарративах феминисткой критики традиционной историографии, ставившей мужчин и их творчество в центр тех или иных событий мира музыки (речь все-таки идет о музыке и о композиторах), в то время как женский взгляд на музыку и работы композиторов- женщин не принимались во внимание. Женское творчество вызывало в мужском обществе чувство угрозы мужскому владычеству. И так было во всех сферах – не только в музыке, но и в науке и в медицине. Сильных женщин недолюбливали. Но времена поменялись, и программа ближайшего концерта Израильского Камерного Оркестра посвящена творчеству женщин-музыкантов – трех композиторов и одной исполнительницы.

Когда мы говорим о польской музыке, в первую очередь на ум приходит Шопен. Однако в истории сохранилось гораздо больше имен. Польская композитор и скрипачка Гражина Бацевич, первая польская женщина-композитор, получившая международное признание, считается одним из самых выдающихся композиторов середины 20 века.
Гражина Бацевич – выдающаяся представительница польской культуры. Будучи разносторонне одаренной личностью, она проявила себя и как композитор, и как исполнитель, и как литератор. Родина Гражины Бацевич – Лодзь, мать её была полькой, отец – композитор Винцас Бацевичус – литовцем, все дети этой семьи связали свою жизнь с искусством.
Бацевич училась в 1932-1933 гг. в Национальной Парижской школе музыки (École Normale de Musique) композиторскому искусству – у Нади Буланже и скрипке – у Андре Туре. Ненадолго она вернулась в Польшу, в Лодзь, после чего в 1934-м вновь уехала в Париж, чтобы обучаться у венгерского скрипача Карла Флеша. Неудивительно, что во многих из ее композиций главное место уделено скрипке. Она была автором семи скрипичных концертов, двух виолончельных и одного альтового. Ей также принадлежат семь струнных квартетов, пять сонат для скрипки и фортепиано, а также две сонаты для скрипки соло. Некоторые из этих композиций, наряду с прочими камерными и симфоническими произведениями, до сих пор конкурируют на концертных площадках с «мужскими» сочинениями.
В программе «Her-Story» прозвучит Концерт для струнного оркестра Гражины Бацевич – ее самая ценимая, исполняемая и самая популярная работа. Концерт был создан под влиянием французского неоклассицизма, сочетая в себе традиционные формальные элементы с современной гармонией.
За этот концерт, написанный в 1948 году, премьера которого состоялась в 1950 году на собрании Союза польских композиторов в исполнении Симфонического оркестра Польского радио, Бацевич была удостоена Государственной премии Польши.

Клара Шуман – немецкая пианистка, композитор и педагог, одна из самых выдающихся пианисток эпохи романтизма, влиятельный педагог и композитор. Жена гения и мать восьмерых детей, Клара Шуман сумела войти в плеяду женщин, оставивших яркий след в истории музыки. Став с 1840 года женой и первая исполнительницей сочинений Роберта Шумана, Клара Вик-Шуман также была первой исполнительницей сочинений Иоганнеса Брамса. Клара Шуман, ставшая одной из центральных фигур в музыкальной жизни Европы XIX века и сделавшая блестящую карьеру пианистки, была вундеркиндом. Уже в 11 лет она совершала концертные поездки по Европе и сочиняла пьесы для своих сольных концертов. Еще до того, как ей исполнилось 14 лет, она начала сочинять фортепианный концерт и за несколько месяцев закончила это концертное произведение. В феврале 1834 года ее будущий муж Роберт Шуман пересмотрел оркестровку. Полностью это виртуозное и глубоко лиричное произведение она впервые исполнила за несколько дней до своего 16-летия с оркестром Гвандхауса из Лейпцига под управлением Феликса Мендельсона.
Жизнь этой женщины- явление вмире музыки, но будучи в тени своего мужа, одного из величайших композиторов XIX века, она говорила так: «Однажды я поверила, что у меня есть талант к творчеству, но мне пришлось расстаться с этой идеей. Женщина не должна желать быть композитором – у женщин никогда не было такой возможности. Можно ли было ожидать, что я стану одной единственной, той самой?».

Немецкий композитор-романтик Эмили Майер начала свою музыкальную карьеру в относительно позднем возрасте, однако достигла впечатляющих музыкальных достижений и была оценена по достоинству. В 1847 году, к выпускному диплому, она сочинила свою первую симфонию. Ее произведения исполнялись в оркестрах по всей Европе – явление необычное для женщины того времени. В 1841 году, в возрасте 29 лет, Майер поехала в Щецин (ныне Польша, а до 1945 года а – Штеттин в Германии), чтобы учиться у композитора Карла Леве. Чтобы закончить у него обучение, в 1847 году она написала свои первые две симфонии, исполненные в Штеттине и имевшие большой успех. Позже Майер переехала в Берлин, где стала была заместителем директора Оперной академии. Необычно для ее времени было то, что она видела себя в первую очередь композитором, а не автором-пианисткой. Но опубликована была только её 4-я симфония, да и то как отрывок для фортепиано в 4 руки, а после смерти её произведения были забыты. Лишь недавно некоторые из ее произведений были исполнены и записаны.
Современники называли Эмили Майер «Бетховеном в женском обличии» – и с этим нельзя не согласиться. Майер написала 8 симфоний, 15 концертных увертюр, множество камерной и вокальной музыки – немалое количество крупных сочинений, исполнявшихся публично. Для середины XIX века это был настоящий прорыв: женщины-композиторы тогда преимущественно музицировали за клавикордом. Майер творила в эпоху, когда еще живы были Бетховен, Шуберт, Шуман, Шопен и другие классики-романтики. Но о них мы знаем почти все, а об Эмили Майер – ничего. Неслучайно открытие ее имени произошло именно сегодня, когда о феминизме и равенстве гендеров в любой профессии говорят едва ли не каждый день, а возрождение почти забытых сочинений стало одной из главных задач любого европейского оркестра.

Dorel Golan – photo © Wojfgang Braun

Дорель Голан, одна из заметных молодых пианисток страны, хорошо известна любителям классической музыки, как в Израиле, так и за рубежом. Голан – желанная исполнительница в самых престижных концертных залах и на известных музыкальных фестивалях мира. После серии побед на престижных международных конкурсах Дорель Голан выступала в США, Южной Америке, Канаде, Ирландии, Болгарии, Литве, Хорватии, Сербии, Словении, Китае, Гонконге, Южной Африке – более чем в 40 странах мира. Сольные концерты Дорель и ее выступления с оркестрами были записаны и неоднократно транслировались в Израиле и в других стран.
Дорель Голан закончила с отличием музыкальное отделение Бухмана-Меты Тель-Авивского университета, где обучалась под руководством профессора Арье Варди. Имеет степень магистра. Ее преподавателями также были известные пианисты и музыкальные педагоги Даниэль Гортлер и Вадим Монастырский, у которого Дорель начала учиться в возрасте 10 лет. Концертировать по миру Дорель Голан начала с 17 лет.

Conductor Jonathan Spandorf – photo © Michael Pavia

Родившийся в Израиле дирижер Йонатан Шпандорф дирижировал Израильской Камератой, Хайфским Симфоническим оркестром, Израильским Камерным Оркестром, оркестром «Симфонет Раанана», Симфоническим оркестром Менди Родана и Джульярдским оркестром. В 2011–2013 годах Йонатан Шпандорф был главным дирижером Камерного оркестра «Молодой маэстро» и j студенческого оркестра в Университете Фордхэм в Нью-Йорке в 2015–2016 годах. Он окончил Джульярдскую школу и Иерусалимскую музыкальную академию, преподавал теорию музыки в Джульярдском и Индианском университетах. Получил степень бакалавра Музыкальной академии в Иерусалиме, степень магистра Джульярда в Нью-Йорке и докторскую степень Университета Индианы, где он с помощью технических средств изучил связь между романтической музыкой и музыкой Арнольда Шенберга и написал оригинальную оркестровку произведений Шенберга. Помимо своей профессии музыканта, он является разработчиком программного обеспечения в компании Quilt в Израиле.

---

Израильский Камерный Оркестр
Her-Story
Дирижер – Йонатан Шпандорф | Солистка: Дорель Голан – фортепиано
Тель-Авивский музей искусств, 7- 8 02.2024, среда – четверг, 20:00.
7-8 февраля, среда-четверг, Тель-Авивский музей искусства, зал «Реканатти», 20:00
В программе:
Гражина Бацевич (1909 – 1969). Концерт для струнного оркестра.
Клара Вик-Шуман(1819 – 1896). Концерт для фортепиано с оркестром ля минор (опус 7)
Эмилия Майер (1812 – 1883). Симфония № 1 до минор

Видео – https://www.youtube.com/watch?v=S1bpl2Kibew

Билеты: https://www.ico.co.il/show/2046 или по телефону 03-5188845
Код скидки 9965 (120 шекелей вместо 195 шек.)

Photo: © Wojfgang Braun, Michael Pavia

Волшебная «Русалка» Антонина Дворжака в постановке Стефано Пода на сцене Израильской Оперы
2024-02-01 02:25 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Может ли любовь переступить границу между невинным миром фантастических существ и развращенным миром людей?
Магнетическая опера Антонина Дворжака о Русалочке и ее безответной любви предстанет на сцене Израильской Оперы с 3 по 15 марта 2024 года в эффектной постановке культового режиссера Стефано Пода и под руководством маэстро Дана Эттингера.

Уникальный режиссер с мировым именем итальянец Стефано Пода возвращается в Израильскую Оперу (после его «Фауста» и «Сказок Гоффмана») и создает на сцене сказочный водный мир героев Дворжака.

Волшебная «Русалка» Антонина Дворжака в постановке Стефано Пода в Израильской Опере – это совместное производство с Тулузским оперным театром – Opéra National du Capitole de Toulouse. Невозможная, но искренняя история любви в тонкой, прочувствованной, пропитанной ностальгией опере Антонина Дворжака. Трагическая сказка обретает новую жизнь и новое измерение, в полной гармонии с то чарующей, то страшащей музыкой самой знаменитой чешской оперы в постановке Стефано Пода, одновременно выступающего также как автор костюмов, сценограф, хореограф и художник по свету. Гениальный маэстро, обворожительный гений образа, филигранно балансирует на гранях искусства, придумывая свои изящные параллельные миры, наполненные глубоким смыслом, утонченной роскошью, блеском и рафинированным символизмом. Стефано Пода вновь подтверждает необходимость красоты и мечты в опере.

Оперы в постановке Пода – это всегда грандиозный оперный перформанс, новаторские и зрелищные миры дизайна, фантастические видения гениального художника. В опере Дворжака Стефано Пода превращает оперную сцену в живописное озеро, где и живет Русалка, влюбившаяся в человека и готовая на все, чтобы обрести свою любовь.
Шедевр Антонина Дворжака вдохновил Стефано Пода на этот фантастический спектакль, где есть и синхронное плавание, и праздник нимф, и несколько планов реальности. Когда занавес подымается, зрители погружаются в водную вселенную. Залитая водой сцена сочетает загадочные и символические элементы. Огромные белые ладони, опускающиеся в воду, луна с человеком в центре, русалки, танцующие в воде и, одновременно, современный и холодный мир футуристический мир княжеского дворца, стены которого состоят из черных панелей, похожими на электрические цепи.

Опера «Русалка» прочно вошла в репертуары мировых театров. Выдающаяся американская певица Рене Флеминг, исполнявшая партию Русалки в «Метрополитен-опере», говорила: «Я всегда чувствовала особую связь с творчеством Дворжака. Открыв для себя его оперу «Русалка» в студенчестве, я была очарована красотой музыки. Прежде постановки «Русалки» были редкостью, но, к счастью, популярность оперы постоянно растет. Мне очень приятно видеть, что луна Русалки восходит и будет продолжать светить».

Антонин Дворжак – автор девяти симфоний, трех концертов, пяти увертюр, двух месс, камерно-инструментальных сочинений, симфонических вариаций, кантат, серенад, более сотни песен – в зрелые годы испытывал огромный интерес к оперному жанру.
В тридцатилетнем возрасте он сочинил первую оперу «Альфред», посвященную средневековому английскому королю, спасающему свою невесту Альвину от датского вождя Харальда. За ней последовали комические оперы «Король и угольщик» и «Упрямцы», вдохновленные сюжетами из деревенской жизни. В 1875 году Дворжак завершает первую редакцию оперы «Ванда» – о польской королевне, которая жертвует своей жизнью, чтобы спасти отечество от германцев. В 1877 году композитор вновь обращается к жанру оперы-буффа, написав «Хитрого крестьянина». В основе оперы «Димитрий – повествование о Самозванце и Смутном времени. В «Якобинце» композитор обращается к национальной теме. В «Чёрте и Каче», написанной Дворжаком в последние годы 19-го столетия сказочные мотивы сочетаются с бытовыми темами. Последним оперным сочинением композитора стала романтическая «Армида», основанная на эпизоде эпической рыцарской поэмы Торкватто Тассо «Освобожденный Иерусалим».

Лирическая сказка «Русалка» – «королева опер» Дворжака, была написана Антонином Дворжаком в зрелом возрасте и поставлена в год его шестидесятилетия. Премьера состоялась 31 марта 1901 года в Национальном театре Праги и была восторженно принята публикой.
Большая заслуга в этом успехе принадлежит автору либретто драматургу Ярославу Квапилу, написавшему лиричный, поэтический текст. Сказочное либретто необычайно понравилось композитору.
«На родине Андерсена, датском острове Борнхольм, где в 1899 году я проводил каникулы, мне вспомнилось детство и сказка о Русалочке, которая из любви к человеку жертвует своим прекрасным голосом, а когда возлюбленный бросает ее, она подвергается проклятию. Снять его может лишь его кровь» – вспоминал Квапил. Либретто основано, прежде всего, на сказках «Русалочка» Ганса Христиана Андерсена и «Ундина» Фридриха де ла Мотт Фуке, а также истории о Раутенделейн. Но не менее важными для Квапила были чешские народные легенды. В предисловии к либретто автор указывает: «Несмотря на различные мотивы, позаимствованные не только из чешского наследия, в моей сказочной истории немало почерпнуто из чешского фольклора. Я намеренно придерживался духа баллад Эрбена».
Композитор работал над партитурой «Русалки» чуть больше полугода, по своему собственному признанию, с «восторгом и радостью».

Русалка мечтает вырваться из своего мира и стать человеком, обрести бессмертную душу. Она приносит в жертву во имя другой жизни и любви свой голос и отказывается от родной водной стихии. Но Русалка и Принц – представители разных миров, их союз заведомо невозможен. Пожертвовав всем ради любви, Русалка становится чужой в обоих мирах («Я не могу умереть и не могу жить»). Прав Водяной, сказавший, что Русалка «навеки пропала, доверившись человеку».

Режиссерские переосмысления «Русалки» начались с «фрейдистской» постановки Дэвида Паунтни в Английской национальной опере в 1983 году. В 21-м веке появилось несколько неординарных прочтений произведения Дворжака. В 2002 году в Парижской национальной опере «Русалку» поставил Роберт Карсен, рассказавший историю женской судьбы со счастливым финалом. Режиссер Стефан Херхайм, представивший свою интерпретацию сюжета в Театре «Ла Моннэ» в 2008 году, сделал главной трагической фигурой Водяного. В том же году Йосси Вилер и Серджо Морабито показали на Зальцбургском фестивале концептуальную версию (впоследствии поставленную в «Ковент-Гарден»), в которой главная героиня совершает самоубийство. В Баварской государственной опере в 2010 году «Русалку» поставил Мартин Кушей. Спектакль Свена-Эрика Бехтольда 2014 года в Венской опере рассказывал о невозможности установить контакт и о бунте против существующей системы.

Режиссер Стефано Пода (http://www.stefanopoda.com/ )– увенчанный лаврами и титулами, который, как уже отмечено, оформил сцену, создал костюмы и декорации и поставил хореографию и световой рисунок этого спектакля, предлагает исключительную по силе воздействия и по своему стилю интерпретацию. Стоит отметить, что подобная полная постановка этой оперы с мощным хором, богатыми декорациями и костюмами, является дорогим предприятием. Именно поэтому, этот спектакль – ко-продукция. И именно поэтому, вдвойне интересны эстетическое и концептуальное единство, автономность и самодостаточность Стефано Пода, создавшего максимально целостный и существующий в едином образном пространстве спектакль, где каждый шаг солистов и каждое вступление хора – неслучайны и осмысленны. Пода использовал все доступные ему сценические средства, всю фантазию для «театра одного режиссера». «Фауст» в марте 2017 года стал первой работой Стефано Пода с Израильской Оперой. Затем были «Сказки Гофмана» Оффенбаха» в ноябре 1922 года. До этого – в мае 2014-го года – его постановка «Тристан и Изольда», которой дирижировал Зубин Мета – открывала 77-й Флорентийский музыкальный фестиваль. Он ставил «Андре Шенье» в Сеуле, «Таис» Жюля Массне в Сан-Паулу, «Отелло» в Будапеште, «Трубадура» в Афинах, «Дона Карло» в Эрфурте. Список – огромен, достижения – еще более огромны. Достаточно сказать, что его спектакль «Таис» был включен в список двадцати лучших оперных спектаклей за последние двадцать лет.

---

Антонин Дворжак. Русалка
Либретто – Ярослав Квапил
Хор Израильской Оперы под руководством Итая Берковича.
Оркестр Оперы – Израильский Симфонический оркестр Ришон ле-Циона
Дирижер – маэстро Дан Эттингер.
В опере «Русалка» принимают участие Алла Василевицкая и Ани Йоренц (Русалка), Адриан Крамер и Алексей Долгов (Принц), Эдна Прочник (Баба-Яга – Колдунья), Юнуц Паску и Максим Кузьмин-Караваев (Водяной), Ясмин Леви-Эллентак (Иноземная княжна), Рона Шира и Тамара Навот (Кухарка), Шакед Струл (Первая нимфа), Эфрат Брам а-Коэн (Вторая нимфа), Шай Блох (Третья нимфа) и Одед Райх (Ловчий и Лесник).
При участии танцоров ансамбля Vertigo Dance Company и их зарубежных коллег.

С 3 по 15 марта 2024 года в Оперном театре Тель-Авива имени Шломо Лахата (бульвар Шауль а-Мелех 19, Тель-Авив).
Воскресенье | 03.03.2024 | 20:00
Понедельник | 04.03.2024 | 19:30 | Премьера в честь Лизики, Ами и Тедди Саги
Вторник | 05.03.2024 | 20:00
Четверг | 07.03.2024 | 20:00
Пятница |08.03.2024 |13:00
Суббота | 09.02.2024 | 20:00
Вторник |12.03.2024| 18:00
Среда | 13.03.2024 | 20:00
Пятница | 15.03.2024 | 13:00

Исполнение на чешском языке. Субтитры на иврите и английском. Перевод – Исраэль Юваль
Ко-продукция Израильской Оперы и Opéra national du Capitole в Тулузе

Заказ билетов – в кассе Израильской Оперы по телефону 03-6927777, на сайте: https://bit.ly/3HJJsaE или в «Браво» здесь: Русалка — Антонин Дворжак

Посмотреть видео: https://www.youtube.com/watch?v=DeB3La3SsV4

Текст подготовила Маша Хинич. Фото: © Mirco Magliocca

Пиар – агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting

Фестиваль «МустоненФест Таллинн-Тель-Авив» 2024. MustonenFest Tallinn – Tel Aviv 2024
2024-01-29 20:18 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

11-й фестиваль «МустоненФест Таллинн-Тель-Авив» с гордостью представляет израильской публике известных и ведущих музыкантов из Эстонии и объединяет эстонских и израильских музыкантов: вместе они исполнят классическую, барочную, современную и восточную музыку в различных программах по всему Израилю. Обратите внимание на новые площадки фестиваля: церковь Милости (Бейт ха-Хесед) в Хайфе и церковь Августы Виктории в Иерусалиме, а также по всей стране в концертных залах от Акко до Эйлата. Предстоящий фестиваль отправит зрителей в музыкальное путешествие по музыкальным глубинам разных времен.
Музыка фестиваля позволяет насладиться объединяющей силой культуры: на фестивале, как дань уважения Израилю, будут проведены бесплатные концерты для широкой публики .

Андрес Мустонен. Фото © Йоль Леви

Основатель и художественный руководитель фестиваля «МустоненФест Таллинн – Тель-Авив» выдающийся эстонский музыкант Андрес Мустонен известен в мире своим неформальным подходом к музыке. Уже давно он пользуется репутацией разрушителя традиционной «строгой» концепции концерта. Андрес Мустонен – скрипач, дирижер и композитор, знаток барокко и джаза, руководитель знаменитого ансамбля старинной музыки Hortus Musicus («Музыкальный сад»), возникшего в 1972 году, и одновременно руководитель джазового квартета «Art Jazz Quartet», разносторонний музыкант и специалист в области старинной музыки. Неутомимый, всегда полон новыми идеями, Мустонен дирижирует симфоническими оркестрами во многих странах мира, выступает как солист и участник разнообразных камерных составов. В рамках своего фестиваля Мустонен сочетает различные музыкальные жанры, создает неожиданные совместные проекты. «MustonenFest» – это опера, инструментальная и вокальная музыка, камерные классические и барочные составы.
Андрес Мустонен считает, что «этот фестиваль – фестиваль другой классики. Другой – потому что я убежден в том, что искусство – это живая субстанция и классика в наши дни должна видоизменяться, чтобы по-прежнему быть актуальной, по-прежнему быть насущной необходимостью для слушателей. Современная музыка – эта та музыка, что звучит сегодня. И неважно, когда она была создана. Важно то, как эта музыка приходит к сегодняшним слушателям – здесь и сейчас».
Неуемная энергия и творческая натура Андреса Мустонена приводят его за дирижерский пульт многих известных оркестров Европы. Его необычный творческий подход позволил ему пересечь границу между академической и альтернативной музыкой, такой как старинная музыка, джаз, рок и фолк. Мустонен все играет по-другому, импровизирует, прочитывает мелодию по-новому. Его концерты – не просто концерты. Он требует от зрителей не пассивного слушания и не сопереживания – он требует сотворчества. Сейчас в исполнительском искусстве часто размыты грани между серьезной и легкой музыкой. При этом Андрес Мустонен, уверен, что такие композиторы как Бах и Гендель могли бы полюбить, к примеру, джаз – в эпоху барокко тяга к импровизации была столь же сильной, как сегодня в джазе.
Страсть и погруженность Мустонена в музыку абсолютно полные. Он получил образование в Таллинской Академии Музыки, но его успехи в учебе было трудно оценивать с привычных академических позиций. Еще школьником он занимался авангардной музыкой. Затем, в 1970-годы обратился к источникам европейской христианской традиции, и будучи еще студентом, он создал ансамбль Hortus Musicus – «Музыкальный сад», действующий по сей день.
Роман Мустонена с Израилем начался в 1988 году, когда он со своим ансамблем приехал в нашу страну для участия в фестивале старинной музыки в Яффо – еще до того, как между Израилем и СССР были установлены дипломатические связи. За эти годы Мустонен выступил с большинством израильских оркестров, принимпл участие в Фестивале Израиля, в Эйлатском международном фестивале камерной музыки, в фестивале Абу-Гош и других.

Anna-Liisa Bezrodny. photo credit Kaupo Kikkas

Гости «МустоненФест 2024» из Эстонии :
Сопрано Элина Нечаева – представительница Эстонии на конкурсе песни «Евровидение-2018» , ведущие солистки Эстонской Оперы: сопрано Кяди Плаас-Кала, Моника-Эвелин Лиив, тенор Мати Тури, ансамбль барочной музыки Floridаnte, Мария Листра, Саале Фишер, Виллу Вихермёе. А также: Анна-Лииса Безродная, Рииво Калассмаа, Пеэтер Сарапуу.

Израильские участники «МустоненФест 2024»:
Оперные солисты – Яэла Авиталь, Том Бен-Ишай, Ницан Алон, Эйтан Дрори, Яир Полищук.
Пианист Гиль Шохат, виолончелист Кирилл Михановский (Израильская филармония),Нисим Лугаси, Керен Лугаси, Рахель Рингельштейн, Яэль Петиш, Тами Уотерман, Офир Бен-Цион, Марина Кац
Оркестры: «Израильская Камерата. Иерусалим»
Иерусалимский Симфонический оркестр
Ансамбль «Баррокада».
Израильский оркестр щипковых инструментов
Вокальные ансамбли: Ансамбль «Моран», Израильский Вокальный Ансамбль, Хор Эмек Хефер, Объединенный хор «Ихуд»

11-й фестиваль M u stonen F est Таллинн-Тель-Авив
Подробности на сайте фестиваля : MustonenFest Tallinn Tel-Aviv (tallinntlv.co.il)

ПОЛНАЯ ПРОГРАММА ФЕСТИВАЛЯ

«Венецианский барочный карнавал». Предварительный концерт фестиваля.

Венеция, скрипки и мандолины
Израильский оркестр щипковых инструментов. Скрипач и дирижер – Андрес Мустонен.
Понедельник, 29 января 2024 года• 20:00 – Петах-Тиква, «Гейхал ха-Табут»
Билеты по ссылке – здесь или по телефону 03-9125222

Бах на Красном море. ВХОД СВОБОДНЫЙ. Предварительный концерт фестиваля.
Сонаты Баха для скрипки и чембало
Светлана Уэст – чембало
Андрес Мустонен – скрипка
Четверг, 1 февраля 2024 года • 19:30 – Эйлат, Музыкальный Центр на Красном море Эйлат (Городская консерватория). Вход свободный. Дополнительная информация – здесь

«Струны страсти»
Два маэстро объединяют свои силы в виртуозном вечере на концерте открытия. Сонаты Грига, Бетховена и Баха.
Гиль Шохат – фортепиано
Андрес Мустонен – скрипка
Понедельник, 12.02.24 • 20:30. Зал «Асья», Тель-Авивский художественный музей.
Билеты – «Струны страсти» или по телефону *3221

«Жемчужины камерной музыки»
Мелодичное путешествие от Моцарта до Скотта Джоплина
Андрес Мустонен – скрипка
Рахель Рингельштейн – скрипка
Яэль Патиш – альт
Тами Уотерман – виолончель
Офир Бен-Цион – контрабас
Среда, 14.02.24 • 20:30 – Реховот, Бейт ха-Ам, зал «Бимат ха-Ноар» («Сцена для молодых»).
Билеты – здесь или по телефону 08-9232200.

«Жемчужины барокко»
Произведения Алессандро Страделла, Клаудио Монтеверди, Генри Пёрселла, Баха.
Исполняют: сопрано Кяди Плаас-Кала (Эстония), сопрано Яала Авиталь (Израиль), Андрес Мустонен – скрипка
Музыканты ансамбля «Баррокада».
Вторник, 20.02.24 • 20:30 – Акко, Городская консерватория
Билеты по телефону 04-9956152

«О любви и вере»
Барочные серенады – произведения Клаудио Монтеверди, Саломоне деи Росси и Дитриха Букстехуде.
Яэла Авиталь – сопрано, Том Бен-Ишай – сопрано, Ницан Алон – меццо-сопрано, Эйтан Дрори – тенор, Яир Полищук – баритон.
Израильский Вокальный Ансамбль под руководством дирижера Юваля Бен-Озера.
Среда 21.02.24 • 20:00 – Тель-Авивский музей искусств, зал «Реканатти», телефон для заказа билетов 03-6077070.
Четверг, 22. 02.24 • 20:00 – Кфар-Шмарьягу, Аудитория «Вайль», телефон для заказа билетов 09-9569430
Пятница, 23.02. 24 •12:00 – Тель-Авив, Центр Ицхака Рабина, телефон для заказа билетов – 09-8851521
Суббота, 24.-2.24 •12:00 – Хайфа, церковь Сент Джон. Заказ билетов на сайте ансамбля «Баррокада» –https://barrocade.co.il/ или по телефону 09-8851521

Пятая Симфония Шуберта
Произведения Фридриха Гульды, Бреннера, Пеэтера Вяхи (Эстония) и Шуберта.
Исполнители:
Кирилл Михановский – виолончель (Израильская филармония)
Элина Нечаева – сопрано (Эстония)
Иерусалимский Симфонический Оркестр
Андрес Мустонен – дирижер
Вторник, 27.02.24 • 20:00 – Тель-Авивский музей искусств, зал «Реканатти»,
Билеты: 1-700-70-4000 | jso.co.il

Верди. Реквием
Элина Нечаева – сопрано (Эстония)
Моника Эвелин-Лиив – меццо-сопрано (Эстония)
Мати Тури – тенор (Эстония)
Яир Полищук – бас
Объединённый хор, дирижер – Ронен Борщевски.
Хор Эмек Хефер, дирижер – Шимон Левтов
Иерусалимский Симфонический Оркестр, дирижер – Андрес Мустонен.
Среда, 28.02.24 • 19:30 – Иерусалим, «Театрон Иерушалаим», зал Генри Краун,
Билеты по телефону 1-700-70-4000 или на сайте jso.co.il

«Красота барокко». ВХОД СВОБОДНЫЙ.
Клаудио Монтеверди, Пьетро Франческо Кавалли, Георг Фридрих Гендель, Марен Маре, Луи Маршaн, Джузеппе Джордани, Каро.
Ансамбль барочной музыки Floridante (Эстония)
Мария Листра – сопрано
Саале Фишер – клавесин
Виллу Вихермёе – виола да-гамба
Пятница, 1 марта , • 13:00 – Иерусалим, Церковь Христа, свободный вход.
Суббота, 2 марта • 20:00 – Тель-Авив, студия «Аннет», билеты по телефону 03-6201185
Воскресенье, 3 марта • 19:30 – Эйлат, Музыкальный центр на Красном море (Городская консерватория), вход свободный.

La Tempesta dei Solisti «Буря солистов»
Произведения Яна Сибелиуса, Пеэтера Вяхи (Эстония), Пярта Уусберга (Эстония)
Франца Йозефа Гайдна, Пабло де Сарасете, Сергея Прокофьева, Антонио Вивальди.
Исполнители: Анна-Лииса Безродная – скрипка (Эстония), Рииво Калассмаа – гобой (Эстония), Пеэтер Сарапуу – фагот (Эстония), Марина Кац – виолончель
Оркестр «Израильская Камерата. Иерусалим»
Андрес Мустонен – дирижер
Воскресенье, 3 марта • 20:00 – Реховот, аудитория Михаэля Селла.
Понедельник, 4 марта • 20-00 – Тель-Авивский музей искусств, зал «Реканатти».
Вторник, 5 марта • 20:00 – Ашкелон, «Гейхал ха-Тарбут».
Четверг 7 марта • 20-00 – Зихрон-Яаков, зал «Эльма»
Билеты: 02-5020503 | jcamerata.com

Бах в Назарете. ВХОД СВОБОДНЫЙ
Бах. Сонаты и партиты для скрипки соло
Исполняет – Андрес Мустонен
Вторник, 12 марта • 19:00 – Назарет, Англиканская церковь, вход свободный

Фото – © Йоль Леви

«Путешествие Восток – Запад»
Традиционная турецкая, персидская, армянская и западная музыка
Нисим Лугаси – тар, вокал; Керен Лугаси – ударные
Андрес Мустонен – скрипка
Среда, 13 марта 2024 года • 20:00 – Иерусалим, Музей искусства исламских стран

«Голоса вечности». A’capella
Вокальный ансамбль солистов «Моран». Дирижёр – Том Карни, музыкальный руководитель – Наоми Фаран.
«Небесные» произведения Валентина Сильвестрова, Томаса Луиса де Виктории, Пярта Уусберга.
Андрес Мустонен – дирижер
Понедельник, 18.03.24 • 19:00 – Иерусалим, Церковь Августы Виктории
Вторник, 19.03.24 • 19:30 – Хайфа, Церковь Бейт ха-Хесед
Четверг, 21.03.24 • 20:30 – Тель-Авив, Студия «Аннет» (Швиль ха-Мерец, 2) | 03-6201185
moran-choir.co.il

Общая информация и билеты: 053-522-8781 | 054-865-2378 или на сайте MustonenFest Tallinn Tel-Aviv (tallinntlv.co.il)

Фотографии предоставлены продюсерами фестиваля MustonenFest Tallinn – Tel Aviv 2024

Оркестр «Симфонет Раанана» представляет: «Шубертиада»
2024-01-24 23:29 @Tel-Aviv-reporter Masha Hinich

Верхний снимок: Ансамбль Cecilia - © נגה שדמי - Нога Шадми

Очередной концерт «Симфонет Раанана» посвящен израильской «Шубертиаде», проводимой в этом году уже в 17-й раз. Песни Франц Шуберт создавал на протяжении всей жизни. В его наследии насчитывается более шестисот сольных песен - в историю вокальной лирики Шуберт вошел с песнями Гёте, а закончил свою короткую жизнь песнями на слова Гейне. Два цикла песен Шуберта – «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь» – стали в свое время новой страницей в истории вокальных жанров. Но пятый концерт «Симфонет Раанана» абонемента нынешнего сезона посвящен песням Шуберта для мужских голосов.
В концертах участвуют: австрийский тенор Даниэль Йоханссон (востребованный солист, часто исполняющий произведения периода барокко заслуживший особую репутацию в роли евангелиста (рассказчика в Die Passion Баха – в «Страстях по Иоанну» и в «Страстях по Матфею»), пианистка Ирит Роб, скрипач Хагай Шахам, виолончелист Хилель Цори, пианист Арнон Эрез и ансамбль Cecilia.
В программе: песни Франца Шуберта для мужских голосов и Первое фортепианное трио Шуберта си-бемоль.
Концерты пройдут в Городском центре музыки и искусств в Раанане в понедельник, 29 января и во вторник, 30 января. Начало – в 20:00.

Ансамбль Cecilia (Cecilia Ensemble אנסמבל ססיליה) в своем первом выступлении на израильской «Шубертиаде» исполнит подборку песен для мужских голосов, некоторые а’капелла, некоторые с аккомпанементом. Песни для квартета мужских голосов - это в основном гимны природе; охотничьи песни; песни, прославляющие любовь и вино. Песни на тексты поэтов - современников Шуберта, таких как Иоганн Зайдель, Иоганн Майерхофер и Франц Грильпарцер. Эти песни исполнят вокалисты ансамбля Cecilia и австрийский певец-тенор Даниэль Йоханссон.

Шуберт оставил после себя огромное наследие в области хоровой музыки, включая 6 месс, в том числе на немецком языке (в отличие от обычной латинской), множество сочинений на традиционные тексты, такие как Stabat Mater, Magnificat, Offertorium и другие, а также десятки напевов, гимнов и других коротких произведений для разнообразных вокальных ансамблей, с солистами или без, а-капелла, в сопровождении органа, оркестра или фортепиано.
В 1827 г. Франц Шуберт создает два фортепианных трио – си-бемоль мажорное и ми-бемоль-мажорное. Их можно считать высшим достижением композитора в области камерно-ансамблевых сочинений, в которых участвует фортепиано. Хронологически они «окружают» одно из наиболее трагедийных творений композитора – вокальный цикл «Зимний путь»: создание первого из них непосредственно предшествовало началу работы над этим песенным циклом, второе же было написано после его завершения.

Этот концерт проходит в рамках 17-й израильской «Шубертиады», которая приурочена ко дню рождения «гения из Вены» Франца Шуберта, родившегося 31 января 1797-м года. «Шубертиаду» проводят в нескольких странах мира. Самая известная из них, конечно, в Австрии. Есть также в Германии, еще в нескольких странах. Израильская «Шубертиада», ежегодный музыкальный марафон из произведений Шуберта, уже стала культурной традицией. Фестиваль под художественным руководством виолончелиста, д-ра Раза Коэна проходит по всей стране в 17-й раз.

Израильская «Шубертиада» стартовала в 2007 году - как концерт-марафон в Культурном центре Эйнав в Тель-Авиве при участии 11 израильских музыкантов – и с тех пор стала хорошо известна и популярна среди любителей музыки по всей стране, заняв заметное место на карте культурных событий Израиля. В соответствии с традицией «Шубертиад», проходивших в Вене при жизни Шуберта, около 200 лет назад, эти концерты камерной музыки призваны возродить атмосферу венских салонов. Концерты израильских «Шубертиад» представляют израильской публике разнообразную программу в тех областях музыки, в которых Шуберт был особо известен – в частности, в произведения для камерных ансамблей и Lieder.

Если же говорить об особом вкладе Шуберта в мировое музыкальное наследие, то в первую очередь надо сказать именно о его огромном влиянии на развитие жанра «лидер» – классических вокальных произведений, песен на стихи немецких романтиков. Конечно, песни писали и до Шуберта, но он поднял этот жанр на новую высоту, и проложил дорогу своим гениальным последователям – Шуману, Брамсу, Мендельсону, а впоследствии и французским композиторам. Шуберт создавал песни на протяжении всей жизни. В его наследии насчитывается более шестисот сольных песен. Интересно, что в историю вокальной лирики Шуберт вошел с песнями Гёте, а закончил свою короткую жизнь песнями на слова Гейне. Два цикла песен Шуберта – «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь» – стали в свое время новой страницей в истории вокальных жанров.

[caption id=“attachment_44492” align=“alignleft” width=“306”] Daniel Johanssen_© Annette Friedel[/caption]

Австрийский тенор Даниэль Йоханссон учился у таких ведущих специалистов, как Роберт Холл, Дитрих Фишер-Дискау и Криста Людвиг. Он удостаивался наград на конкурсах Шумана, Моцарта и Вигмор-холла. Репертуар Йоханссона варьируется от раннего барокко до современных песен, и также включает в себя огромное разнообразие камерной музыки. Наряду с вокальными циклами Шуберта и Шумана, его репертуар художественных песен включает более 300 песен на немецком, французском и английском языках, а также оратории барокко, классицизма и романтизма.
Даниэль Йоханссон также зарекомендовал себя как оперный певец. Он выступал в операх Генделя, Моцарта и других в Венской народной опере, театре Гартнерплац в Мюнхене, Лейпцигской опере и Тирольском государственном театре. В сезоне 2019-2020 он выступал также на фестивале Баха в Лейпциге и на фестивале Satyr в Граце.

Виолончелист Хилель Цори - один из самых выдающихся израильских музыкантов, продолжатель романтической традиции великих виолончелистов ХХ века, виолончелист-виртуоз, призер многочисленных международных конкурсов. Хилель Цори с отличием окончил бакалавриат и магистратуру Тель-Авивской музыкальной академии и продолжил обучение в США.
В его профессиональной карьере - сотрудничество с ведущими оркестрами Израиля и за рубежом.
Хилель Цори - также блестящий аранжировщик и композитор, автор сочинений для струнного трио, вокальных и камерных произведений для ансамбля. Его репертуар простирается от сольных сюит для виолончели Баха до современных произведений, включая израильские и мировые премьеры. Среди его многочисленных записей - диск-антология композиторов-виолончелистов, который в январе 2014 года был выбран радио BBC «Диском недели».

[caption id=“attachment_44493” align=“alignleft” width=“316”] Виолончелист Хилель Цори - фото © Михаль Ротем[/caption]

Хилель Цори востребован также в качестве педагога, его приглашают для проведения мастер-классов в престижных музыкальных центрах мира, в жюри международных конкурсов. Он занимает должность профессора виолончели и заведующего кафедрой струнных инструментов в Музыкальной школе Бухмана-Мета Тель-Авивского университета.

Ирит Роб – израильская пианистка, выступает с сольными концертами, в камерных ансамблях и как солистка со многими зарубежными и израильскими оркестрами, в Израиле в том числе с Израильским филармоническим оркестром под управлением Зубина Меты. Вместе с пианистом Ариэлем Коэном основала «Дуэт Тель-Авив», выступающий в Израиле и за рубежом. Дуэт участвовал в мировой премьере произведения Леонарда Бернстайна «Львы и казармы» в Тель-Авиве и Лондоне в присутствии композитора. Ирит Роб также была участницей трио «Идан», активно выступавшего, записывающегося и дававшего ежегодные концертные туры по Европе.
Ирит Роб записала шесть альбомов, в том числе, два с флейтистом Йоси Арнхаймом. С 2006 года Ирит Роб выступает с Давидом Зебой в программе «Безумная опера». В дополнение к своей концертной деятельности Ирит Роб руководит программой «Мафтеах» («Ключ») – программой музыкального образования Израильского филармонического оркестра, которую она основала 22 года назад. Также она ведет серию концертов «Детской филармонии» и недавно была назначена руководителем музыкальной образовательной программы «Гаммы – музыка для социальных перемен», спонсируемой Израильским Филармоническим оркестром.

[caption id=“attachment_44488” align=“alignleft” width=“314”] Скрипач Хагай Шахам[/caption]

Скрипач Хагай Шахам - лауреат многих международных конкурсов, выступал в знаменитых концертных залах мира, был солистом многих оркестров: Королевского филармонического, Английского камерного, оркестра Баден-Бадена, Пражского, Словацкого, Белградского филармонических оркестров, выступал с симфоническими оркестрами Гонконга, Сингапура, Израиля. Преподает в университете Stony Brook (Нью-Йорк), профессор Высшей музыкальной школы имени Бухмана-Мета при университете Тель-Авива, а также соучредитель Фонда Илоны Фехер, занимающегося подготовкой молодых скрипачей Израиля.

Арнон Эрез – один из лучших пианистов Израиля, выдающихся представителей исполнителей камерной музыки. Эрез сотрудничает со многими музыкантами и выступает с ведущими исполнителями Израиля и всего мира. Арнон Эрез играет со скрипачом Хагаем Шахамом уже 35 лет и является участником трио «Шахам-Эрез-Уоллфиш», которое было сформировано десять лет назад и с которым он записывается и выступает по всему миру. Это трио было приглашено исполнить фортепианные трио Бетховена в Уигмор-холле в честь 250-летия со дня рождения композитора.
Арнон Эрез выступал в ведущих концертных залах мира: Карнеги-холл в Нью-Йорке; Уигмор-холл в Лондоне; в Frein Music в Вене; Консертгебау в Амстердаме и т. д.

[caption id=“attachment_44489” align=“alignleft” width=“315”] Пианист Арнон Эрез - фото © Гилад Мазель[/caption]

Более тридцати компакт-дисков с его записями выпущены компаниями Hyperion, Bidolf, Delos, Nimbus и другими. В 2019 году вышел первый из четырех компакт-дисков с фортепианными трио Бетховена. Арнон Эрез - профессор музыкальной школы имени Бухмана-Меты Тель-Авивского университета и заведующий кафедрой камерной музыки

---

«Симфонет Раанана». «Шубертиада»
29 января, понедельник, 20:00
30 января, вторник, 20:00
Концерты проходят в Центре искусств и музыки Раананы по адресу а-Пальмах, 2-алеф.
Заказ билетов: 09-7457773 или на сайте оркестра: www.symphonette.co.il
Страница оркестра в Фейсбуке – Symphonette Raanana תזמורת סימפונט רעננה | Ra`anana

Фотографии предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»
Пиар – агентство : Sofia Nimelstein PR & Consulting